Résumé de la leçon sur le thème de l'alphabétisation musicale et de l'écoute de la musique avec une présentation. Les nuances dynamiques, leur rôle et leur importance dans la musique

Dans cette leçon, nous parlerons d'un autre moyen de transmettre des émotions - dynamique (intensité) de la musique.

Nous avons déjà dit que la parole musicale est très similaire à la parole au sens traditionnel du terme. Et l'une des façons d'exprimer nos émotions (outre le rythme de reproduction des mots) en est une autre, non moins puissante : le volume avec lequel nous prononçons les mots. Des mots doux et affectueux sont prononcés à voix basse, les ordres, l'indignation, les menaces et les appels sont forts. Comme la voix humaine, la musique peut aussi « crier » et « murmurer ».

À votre avis, qu'est-ce qui unit l'explosif appelé « dynamite », l'équipe sportive « Dynamo » et la bande « haut-parleurs » ? Ils viennent tous d'un seul mot - δύναμις [dynamis], traduit du grec par « force ». C'est de là que vient le mot « dynamique ». Les nuances du son (ou, en français, nuances) sont appelées teintes dynamiques, et la force d'un son musical est appelée dynamique.

Les nuances dynamiques les plus courantes, de la plus douce à la plus forte, sont répertoriées ci-dessous :

• pp - pianissimo - pianissimo - très calme
• p - Piano - piano - silencieux
• mp - Mezzo piano - piano mezzo - modérément silencieux
• mf - Mezzo forte - mezzo forte - moyennement fort
• f - Forte - forte - fort
• ff -Fortissimo - fortissimo - très fort

Pour indiquer des degrés de volume encore plus extrêmes, des lettres supplémentaires f et p sont utilisées. Par exemple, les désignations fff et ppp. Ils n'ont pas de noms standards, ils disent généralement « forte-fortissimo » et « piano-pianissimo », ou « trois fortes » et « trois pianos ».

La désignation de la dynamique est relative et non absolue. Par exemple, mp n'indique pas le niveau de volume exact, mais le fait que le passage doit être joué un peu plus fort que p et un peu plus bas que mf.

Parfois, la musique elle-même vous indique comment jouer. Par exemple, comment joueriez-vous une berceuse ?

C'est vrai - calme. Comment faire jouer une alarme ?

Oui, fort.

Mais il y a des cas où la notation musicale ne permet pas de savoir clairement quel caractère le compositeur a mis dans le morceau de musique. C'est pourquoi l'auteur écrit des indices sous la forme d'icônes dynamiques sous le texte musical. Comme ça:

Les nuances dynamiques peuvent être indiquées aussi bien au début qu'à tout autre endroit d'une œuvre musicale.

Il existe deux autres signes de dynamique que vous rencontrerez assez souvent. À mon avis, ils ressemblent un peu à des becs d'oiseaux :

Ces icônes indiquent une augmentation ou une diminution progressive du volume sonore. Alors pour chanter plus fort, l'oiseau ouvre plus grand son bec (<), а чтобы спеть потише – прикрывает клюв (>). Ces soi-disant « fourchettes » apparaissent sous le texte musical, ainsi qu'au-dessus (notamment au-dessus de la partie vocale).

Dans cet exemple, un long fork dynamique (<),означает, что фрагмент нужно играть все громче и громче, пока не закончится знак крещендо.

Et ici, la « fourchette » effilée (>) sous la phrase musicale signifie que le fragment doit être joué de plus en plus doucement jusqu'à la fin du signe diminuendo, et le niveau de volume initial dans cet exemple est mf (mezzo forte), et le niveau final le volume est p (piano).

Aux mêmes fins, la méthode verbale est également souvent utilisée. Le terme "" (crescendo italien, cresc abrégé) désigne une augmentation progressive du son, et " Diminuendo"(Diminendo italien, dim. abrégé), ou décrescendo(decrescendo, decresc. abrégé) - affaiblissement progressif.

désignations de croissant. et faible. peut être accompagné d’instructions supplémentaires :

• poco - poco - un peu
• poco un poco - poco un poco - petit à petit
• subito ou sous. - subito - soudainement
• più - je bois - plus

Voici quelques termes supplémentaires liés à la dynamique :

• al niente - al ninte - littéralement "à rien", au silence
• calando - kalando - "descendre" ; ralentissez et baissez le volume
• marcato - marcato - souligner chaque note
• morendo - morendo - fondu (calmer et ralentir le rythme)
• perdendo ou perdendosi - perdendo - perte de force, affaissement
• sotto voce - sotto voce - à voix basse

Eh bien, en conclusion, je voudrais attirer votre attention sur une autre nuance dynamique - celle-ci accent. Dans le discours musical, il est perçu comme un cri aigu distinct.

Dans les notes, il est indiqué :

• sforzando ou sforzato (sf ou sfz) - sforzando ou sforzato - accent soudain et aigu
• forte piano (fp) - fort, puis immédiatement doucement
• piano sforzando (sfp) - indique un sforzando suivi d'un piano

Un autre « accent » lors de l’écriture est indiqué par le signe > au-dessus ou en dessous de la note (accord) correspondante.

Et enfin, voici quelques exemples où vous pourrez, je l'espère, mettre en pratique toutes les connaissances que vous avez acquises :

La dynamique musicale est l’un des outils les plus importants entre les mains d’un musicien interprète. L’impact de la dynamique est le plus immédiat et le plus puissant. Tout auditeur est clairement conscient de la différence entre les sons forts et les sons faibles ; sans hésiter, il peut constater une augmentation ou une diminution de la sonorité. Cela est dû au fait que toutes sortes d'augmentations et de diminutions de la force du son, des sons de différentes forces se retrouvent très souvent dans la réalité entourant une personne. Par conséquent, pour percevoir la dynamique musicale, pour comprendre son sens et sa signification, presque aucune expérience artistique préalable n'est requise.

Chaque personne est capable d’entendre et de percevoir des différences relatives de volume assez subtiles. Les jugements sur l’ampleur absolue du volume sonore sont beaucoup moins précis et précis. Une évaluation subjective de l'intensité sonore peut dépendre du timbre, des capacités physiques de la voix ou de la partie chorale, de l'interaction des nuances adjacentes comparées, de la durée de la nuance, etc. Ainsi, un son dominé par des harmoniques aiguës, dont la fréquence correspondra à la sensibilité auditive maximale (environ Hz), même à la même force avec un son dominé par des harmoniques basses, sera perçu comme plus fort ; même une voix faible avec une coloration de timbre caractéristique brillante peut couper le son d'un chœur puissant et être perçu comme très fort ; la perception du pianissimo après le piano est complètement différente de celle après le forte ; avec une forte ou un fortissimo prolongé, la force de ces nuances se perd progressivement, et vice versa, même les sons de force moyenne semblent forts après une écoute prolongée. sons calmes. Il faut également tenir compte du fait que les nuances indiquées par le compositeur n'ont pas partout la même signification et peuvent changer selon la forme , le genre, le caractère, le style de l'œuvre. Enfin, le système de notation musicale existant ne peut pas refléter toutes les nuances de volume dans la même mesure que, par exemple, un métronome détermine la vitesse locale.

D’après ce qui précède, il ressort clairement que les gradations d’intensité sonore utilisées dans la pratique musicale sont relatives. Le plus correct et le plus clair est uniquement le jugement sur l'intensité du son et les limites des trois qualités : « silencieux », « modérément » et « fort ». Il n'y a pas de frontières claires entre ces « étapes ». Par conséquent, lors de l'exécution de musique, le respect exact de l'une ou l'autre teinte ne joue pas un rôle particulier. Bien plus importantes sont les différences relatives, les ratios qui ne dépendent pas de la force physique de la voix ou de l'instrument. Une telle relativité, la conventionnalité des désignations dynamiques donnent naturellement à l'interprète une grande marge de manœuvre pour la manifestation de son initiative créatrice. Très souvent, l'interprète doit « surestimer » le sens de telle ou telle indication dynamique, introduire des nuances supplémentaires non indiquées par l'auteur, et parfois s'écarter des nuances indiquées dans le texte. La raison en est peut-être les conditions acoustiques de la salle, quantitatives et qualitatives. la composition qualitative du chœur, le registre, le timbre, les différentes compositions des voyelles, le rôle de la voix dans l'ensemble.

Ainsi, par exemple, des chefs de chœur expérimentés, dont les membres n'ont pas de voix fortes, tentent d'utiliser les gradations les plus subtiles du piano comme nuance principale, de sorte que même le mezzo forte donne l'impression du fortissimo requis par le compositeur. Parfois, le chef d'orchestre, compte tenu de la coloration spécifique du timbre brillant d'une partie chorale, modifie la nuance indiquée dans les notes pour en étouffer l'éclat. La même chose se produit dans les cas où une partie est écrite par un compositeur dans un registre qui ne lui convient pas (soit trop aigu - et cela semble tendu, soit trop grave - alors le son est faible). Dans de tels cas, afin de créer un ensemble choral, le chef est obligé soit de réduire, soit d'augmenter le volume de son son.

Les chœurs réunissent des chanteurs aux capacités vocales différentes. En règle générale, les chanteurs de chaque partie chorale n'ont pas la même gamme globale de force sonore et d'intensité sonore dans différentes tessitures. Au cours du processus de répétition, il s'avère qu'avec la nuance forte, les voix les plus faibles disparaissent sous la pression des plus puissantes et que des éléments importants du tissu musical sont perdus pour l'auditeur dans le son global.

Par conséquent, dans la chorale, il est nécessaire de corriger les idées habituelles. Ici, nous pouvons parler du concept d'intensité sonore dans quatre significations : 1) l'intensité sonore de chaque voix séparément ; 2) volume, voix dans l'ensemble ; 3) le volume de la fête ; 4) le volume de l'ensemble. Sur la base de l'expérience, nous pouvons dire que le niveau de volume de la voix dans l'ensemble (dans la partie) est déterminé par les capacités dynamiques du chanteur le plus faible. Pour les autres membres du parti, le fort du plus faible devrait servir de référence grâce à laquelle ils mesurent en conséquence la force du son de leur voix. La force du son d'une partie distincte de l'ensemble général dépend des caractéristiques de présentation, de texture. Le fort de la partie principale doit être plus intense que le fort de l'accompagnement ; le fort dans les registres plus clairs doit être cohérent avec le son dans les registres plus sourds ; avec une texture transparente et légère, le forte sera différent d'une texture dense et massive.

Des remarques similaires s’appliquent à l’exécution de la nuance pianistique. Le piano standard, lorsqu'il est joué ensemble, dépend des spécificités des voix masculines et féminines hautes et basses et de l'habileté de leurs propriétaires. Ainsi, par exemple, le pianissimo dans les registres supérieurs est facilement exécuté par les sopranos et les ténors, et nécessite une habileté considérable de la part des basses et des altos. Par conséquent, dans certains cas, pour des raisons d'équilibre général, la nuance du piano est exécutée un peu plus fort que «l'idéal», ce qui, bien entendu, ne devrait pas conduire à un grossissement de l'ensemble du piano.

Certains compositeurs, comprenant bien l'originalité de la dynamique d'ensemble et la différence entre la nuance « en général » et la nuance « dans l'ensemble », donnent des indications raffinées et différenciées. Mais cela arrive assez rarement. En règle générale, l'interprète lui-même doit ajuster la nuance pour obtenir l'équilibre sonore souhaité.

Un inconvénient courant est la surcharge de sonorité du second plan, associée à la perte de perspective sonore, c'est-à-dire la relation entre les voix principales et accompagnantes, entre le matériau thématique principal et le fond. Parfois, les chefs tentent de rétablir cette relation en augmentant le volume de la voix thématique. Cependant, cette technique, à première vue absolument logique et naturelle, ne donne pas toujours l'effet souhaité. Il est bien préférable de mettre en valeur le premier plan non pas à l'aide de son amplification accentuée, mais en réduisant la sonorité du second plan. Une telle technique, sans doute plus subtile, est particulièrement appropriée dans les œuvres lyriques, discrètes et calmes, où la voix thématique doit sonner comme un piano (des exemples en sont « Winter Road », « Birch », « The Lark » de V. Shebalin, « L'aube se réchauffe », « Les Alpes » de P. Chesnokov, « Le Rossignol » de P. Tchaïkovski, « Sur le vieux monticule », « L'Alouette » de Vik. Kalinnikov, etc.).

L'exécution d'une nuance dans chaque partie est inextricablement liée aux particularités de l'instrumentation chorale, à la tessiture des autres parties, à la signification sémantique des voix individuelles et à leur rôle dans le développement musical global.

L'intensité sonore de l'ensemble est basée sur le principe selon lequel le son commun de toutes les parties chorales sera plus fort que celui de chacune séparément. Par conséquent, la sonorité globale dépend du nombre de voix chorales résonnant simultanément et peut, à la suite d'une simple connexion ou déconnexion de parties, changer dans un sens ou dans l'autre.

De plus, il faut tenir compte du fait que toutes les nuances dynamiques ne sont pas indiquées dans les notes et que l'apparition de l'une ou l'autre nuance dans le texte ne signifie pas toujours qu'il doit être exécuté du tout début à la fin avec le même forcer. Au contraire, certains écarts par rapport à la nuance principale contribuent souvent à une plus grande expressivité de l'interprétation. Ainsi, par exemple, pour souligner le son culminant d'une phrase, pour rendre le phrasé convexe, vous devez mettre en évidence une note importante à l'aide d'un « appui », d'une légère augmentation du volume, et vice versa, « supprimer » la sonorité après le point culminant. Souvent, l'expressivité n'est pas tant obtenue en mettant l'accent sur la note culminante, mais en atténuant et en atténuant la fin de la phrase.

Hans Schmidt, professeur au Conservatoire de Vienne, a formulé dans son livre « Sur les lois naturelles de l'interprétation musicale » les règles selon lesquelles chaque note plus longue doit être jouée plus fort que la note la plus courte. Dans le cas où une note plus longue suit plusieurs notes courtes, il conseille d'y faire un petit crescendo intermédiaire afin que la note longue obtienne la force sonore nécessaire. Après une longue note, Schmidt conseillait « de jouer aussi faiblement que le son long sonnait à la moitié de sa durée », sinon le son suivant ne serait pas étroitement adjacent au long (« déversé »). En formulant ses règles relatives à l'interprétation au piano, Schmidt soulignait en même temps que « même en chantant, une note plus longue reçoit un fort accent, la seule différence étant que le chanteur transfère dans la plupart des cas cet accent au milieu d'une longue note. " 0 .

Une certaine interdépendance entre la durée d'un son et sa force a également été constatée par des musiciens et professeurs modernes bien connus. Ainsi, A. Goldenweiser a écrit à ce propos : « Si je joue, disons, forte sans crescendo ni diminuendo, avec la même force une ligne mélodique qui va par quarts, et puis pendant un quart je joue quatre doubles croches, avec la même force chacune , alors l'auditeur a l'impression que j'ai joué plus fort, puisque dans la même unité de temps il percevra non pas un, mais quatre sons. Bien sûr, cela ne peut pas être compris arithmétiquement, c'est-à-dire qu'il faut jouer ces quatre notes exactement quatre fois plus doucement que les noires précédentes, mais en tout cas, si l'on ne veut pas que ces doubles croches sonnent beaucoup plus fort que les autres, nous devons jouer chacun est plus facile.

Les chercheurs ont également noté une certaine dépendance de la force du son à l'égard du schéma rythmique : plus le rythme est énergique, plus il doit être exécuté activement^

comment ^ Syncope, chantée plus faiblement que la note qui est -

avant, après ou simultanément avec lui, mais dans une voix différente, il cesse d'être une syncope, c'est-à-dire qu'il perd ses caractéristiques rythmiques et dynamiques.

Les nuances d'interprétation sont largement associées au mouvement harmonique, à l'alternance de stabilité et d'instabilité musicales, au rôle fonctionnel des accords dans le mode. Par exemple, si un accord dissonant est suivi d'une résolution, il doit alors être joué plus doucement que l'accord.

La direction de la mélodie est d'une importance considérable pour la nuance. Assez souvent, dans la pratique de l'interprétation, nous sommes confrontés à une augmentation de la force du son lorsque la mélodie monte et à un évanouissement lorsqu'elle descend. L'expressivité de cette technique est due à la perception du mouvement ascendant et de la dynamique ascendante comme une augmentation de l'expression, une poussée émotionnelle, et de la diminution de la dynamique et du mouvement descendant comme un déclin émotionnel. Toutefois, une telle association n’est pas toujours justifiée. Non moins souvent, le mouvement descendant de la mélodie doit être accompagné d'un crescendo, et le mouvement ascendant - d'un diminuendo, associé dans le premier cas à une augmentation de la massivité, de la lourdeur, et dans le second - à un soulagement, à une fonte.

Enfin, la pratique du spectacle vivant rappelle constamment la dépendance de la dynamique au tempo et du tempo à la dynamique. En règle générale, un son fort est difficilement compatible avec un mouvement rapide et virtuose. Plus le son est fort, plus il est lourd et donc plus il est difficile de le contrôler à un rythme rapide. Par conséquent, dans les œuvres dans lesquelles le compositeur exige forte ou fortissimo ainsi que légèreté, grâce, grâce, il faut parfois sacrifier un peu la puissance du son pour obtenir le caractère souhaité de la musique.

Tout cela indique que certaines caractéristiques de tempo, mélodiques, rythmiques, harmoniques et texturales du langage musical incitent souvent l'interprète à corriger les instructions dynamiques de l'auteur. Toutefois, cela doit être fait avec beaucoup de prudence. Des changements trop fréquents et injustifiés dans les principales nuances n’atteignent pas l’objectif ; ils ne font que fatiguer et émousser la perception des auditeurs, introduire des manières dans la performance et peuvent même produire une impression humoristique. « Rien ne peut autant nuire à une œuvre », notait R. Wagner, « qu'une nuance arbitraire, puisqu'elle ouvre la voie aux caprices fantastiques de tout batteur vaniteux ne comptant que sur l'effet » ,2.

Le critère principal pour la nuance correcte est le contenu et la forme de l'œuvre, son entrepôt et sa structure, la nature de la mélodie. Dans la littérature chorale, il existe de nombreux épisodes écrits d'un trait large et juteux, au cours de l'exécution desquels il faut

les nuances fractionnaires doivent être évitées. Et vice versa, dans des œuvres riches en détails colorés, lumineux et contrastés, des moments psychologiques, une dynamique monotone et monotone peuvent appauvrir considérablement le contenu et le côté figuratif de la musique. « Afin de ne pas perdre la logique du rapport entre la force des sonorités et de créer une palette sonore riche en variété et en couleurs », écrit A. Pazovsky, « le chef d'orchestre a besoin de ressentir et de réaliser la « dynamique traversante** de l'œuvre ». il joue. Comme un rythme-tempo transversal, la palette de la dynamique musicale est constituée de hauts et de bas de tensions sonores, ce sont des contrastes continus, des changements de nuances dynamiques, de traits, de nuances, hétérogènes en force et en caractère, harmonieusement unis en un grand tout.

Grâce à diverses utilisations de nuances dynamiques, le chef d'orchestre peut révéler l'une ou l'autre possibilité de développement de la dramaturgie musicale et performative, créant ainsi la forme la plus adaptée au contenu de l'œuvre.

Comme déjà indiqué, un niveau de volume relativement stable peut contribuer à l'unification de la forme, et des changements brusques de volume peuvent être un moyen de la diviser. Par conséquent, à l'aide de certaines techniques dynamiques, l'interprète peut influencer la forme de la composition. Une méthode très courante pour effectuer des nuances est, par exemple, l'opposition dynamique de motifs, de phrases, etc. répétitifs (la première fois est plus forte, la deuxième fois est plus silencieuse, ou vice versa).

La dynamique des chants et des chœurs de structure en couplet revêt une importance particulière, devenant ici presque le principal moyen d'interprétation du développement musical. Les changements de nuances dans les différents couplets de la chanson apportent contraste et variété au caractère répétitif. matériel musical et donner vie à la forme. Au contraire, la méthode d'amplification progressive du son du premier couplet au dernier, ou une combinaison d'amplification douce avec une décroissance douce, qui est particulièrement souvent utilisée, par exemple, dans les chansons de soldats et de burlatz, unit dans une large mesure le verset entier forme un tout unique.

En principe, le long crescendo et le diminuendo sont un moyen très important d'unir la forme et un puissant moyen de développement. Mais les deux nuances ne produisent une impression vraiment convaincante que si elles sont exécutées progressivement et uniformément. Pour que la montée et la descente de la sonorité s'effectuent avec une grande cohérence, il est recommandé de démarrer le crescendo un peu plus faible que la nuance principale, et le diminuendo un peu plus fort. G. Bülow recommandait une règle sage : « Crescendo signifie piano, diminuendo signifie forte ». C'est-à-dire que le support d'un long crescendo doit être recherché dans un piano profond, et pour un diminuendo tout aussi long - dans un forte riche et plein. Il est très utile dans une transition dynamique progressive de diviser conditionnellement la ligne mélodique en un certain nombre de motifs, dont chacun doit être interprété un peu plus fort ou plus doucement que le précédent. De plus, même dans les épisodes qui nécessitent une grande puissance sonore, il n’est pas nécessaire de tout donner.

Le changement soudain de nuances pour l'interprète est peut-être encore plus difficile que l'exécution progressive du crescendo et du diminuendo. L'interprète doit être capable de transmettre des contrastes sonores vifs sans aucun adoucissement. Cela nécessite une grande habileté. Très souvent, les chanteurs ne peuvent pas passer immédiatement d'une nuance à l'autre, ce qui déforme le plan dynamique de l'auteur et l'intention artistique de l'œuvre. La difficulté particulière d'une telle restructuration instantanée chez les chanteurs est liée aux spécificités du mécanisme respiratoire chantant, qui permet une certaine inertie. Pour obtenir une netteté des contrastes sonores, la césure (respiration courte) est généralement utilisée avant de changer les nuances. Une telle césure permet en outre d'éviter « l'absorption » de la nuance future par la sonorité précédente.

Les techniques de dynamique décrites ci-dessus peuvent être utilisées par tous les musiciens interprètes, quel que soit l'instrument dont ils jouent. Parallèlement, la mise en œuvre de nuances dynamiques dans l'interprétation chorale présente un certain nombre de caractéristiques dues aux spécificités du chant en général et du chant choral en particulier. On sait par exemple que la principale connexion réflexe régulant les modulations dynamiques de la voix est la connexion entre la respiration et le larynx. Le changement du volume de la voix se produit principalement à la suite de modulations de la pression sous-glottique, qui modifient les vibrations des cordes vocales : plus la pression de l'air est élevée, plus la force du son est grande. On peut dire sans exagération que le contrôle du volume en chantant est la respiration. Par conséquent, le chef de chœur doit accorder une attention particulière au développement d’une bonne respiration chez les chanteurs. Une autre régularité importante de la voix chantée est l'augmentation de la force de la voix avec la hauteur. Des études acoustiques ont montré que pour les maîtres du chant, le volume du son augmente progressivement des tons inférieurs de la tessiture aux tons supérieurs jusqu'aux limites extrêmes de la tessiture ; au contraire, en passant des tons supérieurs aux tons inférieurs, la force sonore diminue. Ces changements naturels de volume dans le mouvement ascendant et descendant de la mélodie doivent être pris en compte par le chef d'orchestre lorsqu'il travaille sur des nuances dynamiques. Sinon, les couleurs dynamiques peuvent s’avérer soit exagérées, soit pas assez lumineuses. Dans le même temps, il convient de noter qu'une augmentation douce du volume sonore, naturelle pour les maîtres, nécessite un grand sens des proportions et une forme musculaire considérable. La plupart des chanteurs ne parviennent pas à adapter le volume du son sur toute la plage.

Un inconvénient particulièrement courant est de forcer le son dans les tons supérieurs. Comme méthode de lutte contre le forçage des sons aigus, l'affaiblissement de leur volume, le fraisage est utilisé. La technique du filetage est très largement utilisée dans la pratique chorale, où chaque chanteur, du fait des conditions particulières du travail collectif, est limité dans la pleine manifestation de ses données vocales : il doit modérer et limiter la puissance de sa voix, en ne donnant que comme tout ce qu'il faut pour créer une sonorité collective commune, pour créer un ensemble choral. La dynamique de cette sonorité est établie et régulée par le chef d'orchestre en fonction de la nature de l'œuvre étudiée et de son plan d'exécution.

Il y a un autre point spécifique à prendre en compte. Les chercheurs ont découvert que les différentes voix d’un chanteur inexpérimenté ont des atouts différents. Les plus fortes sont les voyelles une, e, o et les voyelles Et Et à- sont plus faibles et. Ce n'est que grâce au travail du chef d'orchestre avec le chanteur que la différence d'intensité entre les voyelles peut être éliminée. La force du son est également liée à sa formation. L'augmentation du volume s'accompagne d'une expansion du son, ainsi que d'une fusion - un rétrécissement. L'ensemble du son choral, selon les principes de l'une des meilleures écoles chorales soviétiques - l'école chorale d'A. Sveshnikov, doit passer par une école étroite : d'abord étroite - puis large. Une erreur très courante consiste pour les chanteurs à chanter fort immédiatement après avoir repris leur souffle. Cela est dû au fait que le chanteur s'efforce involontairement d'utiliser « largement » et « librement » la grande réserve d'air dont il dispose désormais. Le chef d'orchestre doit constamment mettre en garde les chanteurs contre une telle habitude, qui a un effet désastreux sur le phrasé, sur l'orientation de la ligne musicale. Il faut s'assurer que le son après la respiration n'est pas plus fort qu'avant (bien sûr, sauf lorsque le changement de nuances est indiqué dans les notes). Dans les autres cas, la règle principale devrait être la suivante : lorsque vous commencez à chanter, chantez toujours plus bas que le ton qui, selon toute vraisemblance, sera au point culminant ! Suivre cette règle facilite le phrasé, le rend confortable et naturel.

Il en va de même pour les fins de phrases musicales. Souvent, à la fin des phrases, au moment du "retrait", les conducteurs nécessitent une "éjection" active du souffle. Cette expiration active s'accompagne généralement d'une augmentation de la sonorité, qui souvent ne correspond pas au phrasé nécessaire. Je voudrais d'ailleurs noter que la fin d'un son, comme son origine, présente d'innombrables gradations dynamiques. Le son peut s'estomper, fondre, puis l'effet dynamique du fraisage est appliqué, il peut s'interrompre brusquement. La suppression conjointe rapide de la fin est particulièrement difficile dans le chœur.

le son, qui est généralement obtenu par une retenue instantanée de la respiration, s'effectue à l'aide de consonnes solides b, p, t, arrêter le son à la vitesse de l'éclair.

La plage dynamique d'un chœur dépend, comme déjà mentionné, de l'étendue de la plage dynamique de chaque chanteur. La pratique montre que pour les chanteurs inexpérimentés, la différence de force vocale entre le forte et le piano est très faible. Le plus souvent, ils interprètent tout à peu près au même niveau dynamique, correspondant généralement à la sonorité du mezzo forte. Il est clair que l'expressivité du chant en souffre, sans parler des dangers d'une tension vocale constante pour le chanteur lui-même. Par conséquent, le chef d’orchestre doit accorder une attention particulière à la formation des compétences en piano et pianissimo des chanteurs de chœur. Ensuite, les limites de leur plage dynamique s'élargiront considérablement.

Wagner R. À propos de la direction d'orchestre - Journal musical russe. 1899. JS et 38.

Dans cet article, vous vous familiariserez avec les concepts de base de la dynamique, apprendrez la notation et les méthodes de travail dynamique les plus populaires, ainsi que les erreurs et les problèmes rencontrés par les musiciens débutants.

Qu’est-ce que la dynamique en général ?

Si nous nous tournons vers l’étymologie du mot dynamique, nous l’apprenons du grec. δύναμις - force, puissance.

De quel pouvoir parlons-nous lorsqu’il est appliqué à la musique ?

Bien sûr, à propos de la puissance du son, l’un des 4 paramètres du son musical en général. (Les 4 options sonores sont prises en compte)

La force du son, à son tour, affecte le volume du son, car plus nous tirons fort sur la corde ou frappons la touche du piano, plus l'amplitude des vibrations du corps sonore est forte et plus son volume est grand.

Cependant, tout n’est pas aussi simple qu’il y paraît à première vue. Et le volume du son en lui-même n’a pas d’importance pour l’interprète.

Il est important de pouvoir travailler le volume et surtout de disposer d'une large palette de nuances dynamiques que vous pourrez jouer sur votre instrument.

Par teintes dynamiques, les musiciens entendent le plus souvent le système de notation d'intensité relative que l'on retrouve dans la notation musicale.

Le plus circuit simple comme suit.

p (piano - piano) - tranquillement

f (forte - forte) - fort

Le reste des désignations en dérive.

pp - pianissimo - très calme

mp - piano mezzo - pas très silencieux

mf mezzo forte pas très fort

ff - très fort

Comme vous pouvez le constater, l'échelle est assez relative et parfois il est quasiment impossible de distinguer mp de mf.

C'est pourquoi ces désignations sont appelées désignations d'intensité relative. Il est clair que le forte à la guitare et le forte au piano sont des volumes complètement différents. Tableau comparatif du volume sonore en décibels sans référence à l'instrument.

La première étape pour maîtriser la dynamique de votre instrument est d’apprendre à jouer du forte et du piano sans transitions fluides.

Ensuite, vous pouvez essayer de jouer d'abord pp, puis immédiatement ff. Consultez un professeur professionnel pour des exercices de dynamique efficaces.

L’une des erreurs les plus courantes chez les musiciens débutants est de ne pas travailler la dynamique. Tout ce qu'ils jouent ne semble ni très silencieux ni très fort. Cette approche appauvrit la musique et son expressivité et devrait bien entendu être éradiquée dès les premières étapes des cours.

Vous devez apprendre à jouer dans toutes les plages dynamiques possibles.

Suivant élément important la dynamique de la musique est une gradation, c'est-à-dire le passage d'un niveau de dynamique à un autre.

En fait, toute phrase musicale est basée sur l’utilisation d’un changement de dynamique en douceur et très rarement toutes les notes sont jouées au même volume. Pour désigner des changements explicites de dynamique, la notation est utilisée

cresc. Et faible. ou renforcement et affaiblissement

Les fourchettes sont également utilisées dans les notes pour indiquer une augmentation ou une diminution de volume :

Changements soudains de volume

SF ou sfz- accent soudain fort ou dur

Il y a aussi la désignation fp (forte piano) cela signifie « fort, puis immédiatement doucement » ;

sfp (piano sforzando) indique un sforzando suivi d'un piano.

Dans les notations musicales également, il existe des accents placés au-dessus d'une seule note, ce qui indique leur sélection dynamique par rapport aux sons environnants. La force de l’accent peut varier d’un changement subtil à une attaque très vive. L'image montre les accents 3 et 4.

Dans le jazz, les désaccents ou notes fantômes sont très courants. Ce sont des notes écrites entre parenthèses et qui ne sont pratiquement pas jouées ou jouées avec une dynamique minimale.

De tels sons permettent de conserver la pulsation et constituent un signe de style important.

Il est important de noter que la dynamique est responsable de l'émotivité de la musique et affecte également de manière significative le phrasé, puisque l'agogique repose presque toujours sur le bon travail avec la dynamique.

Observez votre discours et celui des autres et essayez d'enregistrer mentalement leur dynamique. Vous entendrez que le discours de toute personne change de manière dynamique en fonction des émotions. Nous prononçons des phrases de devoir mf, lorsque nous sommes excités, nous pouvons parler fort, avec un crescendo sur les mots importants. Lorsque le différend bat son plein, les participants peuvent être en ff et, à la fin du différend, ils se calmeront.

Un murmure est pp ou même ppp, qui est très souvent associé à des secrets ou des secrets que l'on souhaite révéler à d'autres personnes. Tout ce dont vous avez besoin pour maîtriser la dynamique est de transférer la dynamique de la parole en direct dans votre jeu.

Écoutez d'autres musiciens en prêtant attention à la dynamique - après tout, c'est là que se cachent la plupart des secrets d'une performance réussie.

L'une des astuces populaires travaillant avec la dynamique, il s'agit d'un effet d'écho dans lequel la phrase est répétée plus doucement ou vice versa plus fort. Les musiciens modernes appliquent cette technique pour frapper la caisse claire ou diriger le thème. Ce contraste de dynamique est également très caractéristique de la musique baroque.

À cette époque, les transitions dégradées n'étaient pas aussi populaires qu'aujourd'hui. La technique principale pour travailler sur la dynamique consiste donc à faire correspondre les parties calmes avec les parties fortes et vice versa.

En approfondissant la nature de la dynamique du son, revenons au début de l'article.

2 gradations simples de son sont calme et bruyant.

Mais si vous allez aux extrêmes, vous pouvez alors parler de silence complet (une pause est aussi de la musique) et de volume maximum.

C'est un domaine qui nécessite une étude minutieuse de l'instrument. Essayez de trouver le son le plus silencieux possible.

Quand apparaît le passage du silence au son ? Un tel processus peut s’apparenter à la méditation.

Ou le son le plus fort - pouvez-vous rendre le fort le plus fort encore plus fort ?

Tout comme les artistes apprennent à distinguer des dizaines de nuances de couleurs, les musiciens apprennent à distinguer les nuances de dynamique les plus subtiles.

Au début du voyage, vous n'entendez que du fort et du doux. Ensuite, vous commencez à saisir les transitions et les nuances de forte, de piano, d'accents, de notes fantômes.

Idéalement, le flux sonore sera perçu par vous comme des vagues infinies de dynamique sonore passant du forte au piano et vice versa.

Comme vous pouvez le constater, la dynamique est une partie simple et en même temps la plus difficile à maîtriser de la musique. Il n'est pas difficile de comprendre les types de dynamiques musicales et leurs transitions, mais il est beaucoup plus difficile d'apprendre à entendre et à exécuter ces transitions.

Utilisez les idées présentées dans cet article, et lisez également attentivement les instructions des compositeurs, car leur tâche est de vous indiquer le plus précisément et sans ambiguïté possible tous les changements dynamiques qui doivent être observés afin de créer l'interprétation la plus précise possible.

Pour les musiciens jouant du rock, du jazz et tout autre musique contemporaine il est important d'apprendre à entendre la dynamique, car elle n'est pas écrite dans les notes, mais est invariablement présente dans toute composition, car la musique est impossible sans dynamique !

Notation

Volume (relatif)

Les deux notations de base pour le volume de la musique sont :

Les degrés modérés de volume sonore sont indiqués comme suit :

Sauf les signes F Et p , Il y a aussi

Des lettres supplémentaires sont utilisées pour indiquer des degrés de volume et de silence encore plus extrêmes. F Et p . Ainsi, bien souvent dans la littérature musicale, il existe des désignations fff Et ppp . Ils n'ont pas de noms standards, ils disent généralement « forte-fortissimo » et « piano-pianissimo » ou « trois fortes » et « trois pianos ».

Dans de rares cas, avec des F Et p des degrés d'intensité sonore encore plus extrêmes sont indiqués. Ainsi, P. I. Tchaïkovski dans sa Sixième Symphonie a utilisé pppppp Et ffff , et D. D. Chostakovitch dans la Quatrième Symphonie - fffff .

Les désignations dynamiques sont relatives et non absolues. Par exemple, député n'indique pas le niveau de volume exact, mais que ce passage doit être joué un peu plus fort que p , et un peu plus silencieux que mf . Certains programmes d'enregistrement sonore sur ordinateur ont des valeurs de vélocité de touche standard qui correspondent à l'une ou l'autre désignation de volume, mais, en règle générale, ces valeurs sont personnalisables. Vous trouverez ci-dessous un tableau de correspondance de ces désignations avec les niveaux sonores des fonds et des fils.

Désignation	Nom	Niveau de volume, arrière-plan	Volume, sommeil
fff	Forte fortissimo - le plus bruyant	100	88
etf	Fortissimo - très fort	90	38
F	Fort - fort	80	17,1
p	Piano - silencieux	50	2,2
pp	pianissimo - très calme	40	0,98
ppp	Piano-pianissimo - le plus silencieux	30	0,36

changement graduel

Les termes utilisés pour désigner un changement progressif de volume sont crescendo(crescendo italien), désignant une augmentation progressive du son, et diminuendo(ital. diminuendo), ou décrescendo(decrescendo) - affaiblissement progressif. Ils sont abrégés dans les notes comme cresc. Et faible.(ou décret.). Aux mêmes fins, des signes spéciaux sont utilisés - "fourchettes". Ce sont des paires de lignes connectées d’un côté et divergentes de l’autre. Si les lignes divergent de gauche à droite (<), это означает усиление звука, если сходятся (>) - affaiblissement. Le fragment de notation musicale suivant indique un début modérément fort, puis une augmentation du son puis son affaiblissement :

Les « fourchettes » sont généralement écrites sous la portée, mais parfois au-dessus, notamment dans la musique vocale. Habituellement, ils dénotent des changements de volume à court terme et des signes cresc. Et faible.- des changements sur une période plus longue.

Notation cresc. Et faible. peut être accompagné d’instructions supplémentaires poco(rus. poko- Un peu), peu à peu(rus. peu à peu- petit à petit) subito ou sous.(rus. subito- du coup), etc.

Des changements brusques

Sforzando(ital. sforzando) ou sforzato(sforzato) dénote un accent soudain et aigu et est indiqué SF ou SFZ . L'augmentation soudaine de quelques sons ou d'une courte phrase est appelée ringforzando(ital. rinforzando) et est désigné rinf. , RF ou RFZ .

Désignation fp (forte piano) signifie « fort, puis immédiatement doucement » ; sfp (piano sforzando) indique un sforzando suivi d'un piano.

Accent

Accent(Accento italien) - mettre en évidence des tons ou des accords individuels grâce à un accent plus fort. Lors de l'écriture, cela est indiqué par le signe > au-dessus ou en dessous de la note (accord) correspondante.

Termes musicaux liés à la dynamique

• al niente- littéralement "à rien", au silence
• calandre- « descendre » ; ralentissez et baissez le volume.
• crescendo- renforcer
• décrescendo ou diminuendo- baisser le volume
• Marcato- souligner chaque note
• morendo- fondu (calmer et ralentir le rythme)
• perdu ou perdendosi- perdre des forces
• piu- plus
• poco- Un peu
• peu à peu- petit à petit, petit à petit
• voix basse- à voix basse
• subito- soudainement

Histoire

Le compositeur de la Renaissance Giovanni Gabrieli fut l'un des premiers à introduire des nuances dynamiques dans la notation musicale, mais jusqu'à la fin du XVIIIe siècle, de telles désignations étaient rarement utilisées par les compositeurs. Bach a utilisé les termes piano, plus piano Et pianissimo(écrit en mots), et on peut supposer que la désignation ppp à cette époque, cela signifiait pianissimo.

Remarques

voir également

Notation musicale moderne
portée
Signes musicaux
coups
ligues
Musique Théorie de la musique Notation musicale

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Voyez ce qu'est « Dynamique (musique) » dans d'autres dictionnaires :

MUSIQUE (du grec musike, littéralement l'art des muses), type d'art dans lequel les sons musicaux organisés d'une certaine manière servent de moyen d'incarner des images artistiques. Éléments de base et des moyens d'expression frette musicale (voir LAD), ... ... Dictionnaire encyclopédique

Encyclopédie moderne

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Musique- (du grec musike, littéralement l'art des muses), une forme d'art dans laquelle des sons musicaux organisés d'une certaine manière servent de moyen d'incarner des images artistiques. Les principaux éléments et moyens d'expression de la musique sont l'harmonie, le rythme, la mesure, ... ... Dictionnaire encyclopédique illustré

- (gr. musike - littéralement : l'art des muses) une forme d'art qui reflète la réalité par le son images artistiques une œuvre ou un ensemble d'œuvres de cet art, influençant activement la psyché humaine. La musique est capable de... Encyclopédie des études culturelles

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Le résumé de la leçon de musique « Dynamic Shades » a été élaboré selon le programme de type VIII pour la 5e année par l'auteur V.V. Voronkova. Auteur : Dubrovina Lyubov Anatolyevna - professeur de musique école secondaire MBOU n° 17 (branche) du district urbain - ville de Kamyshin, région de Volgograd Type de cours : Apprendre de nouvelles matières et consolider les connaissances. Le but de la leçon : Former chez les élèves une idée consciente du rythme comme moyen d'expression musicale. Objectif : élargir les connaissances déjà acquises sur la dynamique du son comme moyen d'expression. Introduisez des nuances dynamiques.

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Résumé du cours de musique« Nuances dynamiques »développé selon le programme de type VIII pour la 5e année par l'auteur V.V. Voronkova.

Type de cours : Apprendre de nouvelles matières et consolider ses connaissances.

Le but de la leçon : Former chez les élèves une idée consciente du rythme comme moyen d'expression musicale.

Cible: élargir les connaissances déjà acquises sur la dynamique du son comme moyen d'expression. Introduisez des nuances dynamiques.

Tâches:

Didacticiel: initier les étudiants au concept de « nuances dynamiques » ;

apprendre à distinguer la dynamique de la voix d'une personne ; instruments de musique; objets qui nous entourent. Montrez aux enfants la signification des nuances dynamiques dans un morceau de musique. Perception des moyens d'expressivité musicale à travers le système de tâches créatives.

Correction - développement :développer la pensée créative et l'imagination; développer un intérêt pour la musique classique; développer un intérêt cognitif pour la vie environnante, être capable de parler de musique, en utilisant termes musicaux; reconstituer le vocabulaire; impliquer les étudiants dans des activités actives ; développer des compétences en chant.

Éducatif: cultiver l'intérêt pour la musique classique par l'écoute, cultiver la maîtrise de soi dans le processus de développement de la capacité d'évaluer son travail,encourager les élèves à une auto-évaluation adéquate en classe.

Équipement : multimédia, présentation, phonogrammes « Chansons d'amis » de G. Gladkov ; « Valse » d'E.Dogi du film « Ma douce et gentille bête » ; V. Shainsky "Le Chariot Bleu"

Plan de cours

1.Org. moment. Salutations

3. Travaillez sur le sujet de la leçon

Station de fleurs.

Station Forte et Piano

4. Consolidation du matériel étudié.

Gare "Col de montagne".

Station "Mystérieux".

5. Résumé de la leçon.

6. vérifie toi-même . Dynamique. Gare terminale.

7. Réflexion

Carte technologique de la leçon