Le concept d'"art" est connu de tous. Elle nous entoure tout au long de notre vie. L'art joue un grand rôle dans le développement de l'humanité. Elle est apparue bien avant la création de l'écriture. Dans notre article, vous pouvez en savoir plus sur le rôle et les tâches.
Le concept d'"art" est assez multiforme. Habituellement, cela signifie une branche de l'activité humaine qui peut satisfaire un besoin spirituel, à savoir l'amour de la beauté. L'art est une forme particulière de conscience sociale. C'est le reflet artistique de la vie humaine. Grâce à lui, vous pourrez découvrir comment les gens vivaient à cette autre époque.
Le tout premier auteur qui a révélé le concept d'"art" est Charles Batyo. Il a créé tout un traité dans lequel il a classé cette branche de l'activité humaine. Son livre Les Beaux-Arts réduits à un seul principe est publié en 1746. Charles Batyo estime qu'ils peuvent être identifiés selon plusieurs critères. L'auteur est sûr que l'art apporte du plaisir, et aussi qu'il a un caractère spirituel et non corporel.
Le concept "d'art" comprend la peinture, la musique, la poésie, l'architecture et bien plus encore que nous rencontrons au quotidien. Tout type d'activité artistique se distingue par certaines des qualités positives. Chaque domaine de l'art a une manière particulière de reproduire la réalité et les tâches artistiques. Tous les types d'activité artistique sont divisés en genres et en genres.
Habituellement, l'art est divisé en trois groupes:
Il existe différents types d'art :
L'art graphique est un type qui comprend le dessin et le graphisme imprimé d'images (gravure, minotopie, etc.). Son des moyens d'expression- contour, trait, arrière-plan et tache. On sait que c'est le type d'art le plus populaire. En termes de contenu et de forme, le graphisme a beaucoup en commun avec la peinture.
La gravure est un type de graphisme dans lequel le dessin est une impression imprimée. Il est appliqué avec un graveur spécial. La gravure peut être représentée sur du métal, du bois et du linoléum.
Un autre type de graphique populaire est un type spécial d'impression à plat, dans lequel la surface d'une pierre sert de plaque d'impression. Cette espèce a été inventée en 1798. L'image est appliquée sur la pierre à l'aide d'une encre ou d'un crayon spécial.
L'art du graphisme est le plus ancien de tous ceux qui existent. Les premières images existent depuis le néolithique et l'âge du bronze. Nos ancêtres ont sculpté un motif sur les parois des grottes et des rochers. Après un certain temps, des images ont été appliquées aux armes et aux articles ménagers. Après l'apparition de l'écriture, le graphisme a été utilisé dans la conception des lettres, des livres et des lettres.
Les méthodes de copie des dessins étaient inconnues pendant de nombreuses années. C'est pourquoi toutes les images ont été créées en un seul exemplaire. Ce n'est un secret pour personne qu'aujourd'hui de tels dessins graphiques sont en demande parmi les collectionneurs.
Au milieu du XXe siècle, des spécialistes ont commencé à développer la technique du graphisme en noir et blanc. Plus de 20 variantes de texture graphique ont été créées. Des manuels de formation ont été publiés. Aujourd'hui, le graphisme occupe une place prépondérante dans l'art.
Le bento est un art insolite pour petits et grands. Ce n'est un secret pour personne que de nombreux parents ne savent pas comment apprendre à leur enfant à manger sainement. Aujourd'hui, sur les étagères des magasins, il existe un grand choix d'aliments nocifs et même dangereux. Une nouvelle forme d'art, le bento, peut venir à la rescousse. Il est apparu en Chine. Les Chinois appellent ce terme la nourriture qu'ils emballent dans des boîtes spéciales et emportent avec eux pour étudier ou travailler. Le bento est une œuvre d'art qui se mange. Des femmes au foyer et des cuisiniers talentueux créent des figurines et de petites peintures à partir de nourriture. La principale différence entre ces aliments est l'équilibre et la présence d'une grande quantité de vitamines. Les Chinois créent une œuvre d'art comestible uniquement à partir d'aliments sains.
Le bento est un art pour petits et grands, grâce auquel l'enfant prendra plaisir à manger des aliments sains. Ce n'est pas encore si populaire chez nous, mais plusieurs maîtres qui maîtrisent cette technique sont déjà connus.
L'art joue un rôle important dans la vie d'un enfant et dans le développement de sa personnalité. Aujourd'hui, absolument chaque personne devrait avoir au moins des connaissances de base sur un domaine d'activité particulier. La société se développe rapidement, et donc chaque personne doit être multiforme. De nombreux parents modernes essaient d'inculquer à leur enfant l'amour de l'art le plus tôt possible. Pour cela, un nombre considérable de méthodes d'éducation ont été développées et peuvent être utilisées dès les premiers mois de la vie d'un enfant.
L'enfant reçoit le concept de formes d'art à l'école. Habituellement, les parents, les enseignants et les éducateurs accordent beaucoup d'attention à l'écriture, à la lecture, au calcul et à d'autres sujets dont l'hémisphère gauche du cerveau est responsable. Pour développer le bon, vous devrez étudier la musique, la danse et d'autres arts. Il est important de développer les deux hémisphères du cerveau afin de devenir une personnalité pleinement formée à l'avenir.
Grâce au développement de l'art chez un enfant:
Afin d'initier un enfant à l'art, il est important tout d'abord d'organiser une zone dans laquelle seront stockés tous les matériaux nécessaires à l'activité créative. Vous aurez besoin d'avoir plusieurs livres d'art à la maison. Dès la petite enfance, l'enfant a besoin de les lire. Il est important de discuter de tout ce qui a été appris. Pour vous familiariser avec l'art, vous devrez visiter des musées, des galeries, des théâtres et des expositions avec votre enfant au moins une fois par mois. En aucun cas, vous ne devez jeter les dessins, les applications et les travaux manuels créés par les mains des enfants. Grâce à eux, vous pouvez voir la croissance créative de l'enfant. Il est également important de l'inscrire le plus tôt possible dans un cercle thématique, des cours dans lesquels il aimera.
Quelques oeuvres art contemporain provoquer la perplexité non seulement des enfants, mais aussi des adultes. Il n'est pas rare qu'un enfant en particulier ne comprenne pas l'architecture conçue par les modernistes. Il est important d'expliquer à l'élève que toute œuvre d'art est une étape importante dans le développement de l'humanité.
De nombreuses questions chez les enfants provoquent des peintures abstraites. Il existe de nombreuses éditions spéciales, grâce auxquelles les parents peuvent montrer à l'enfant à quel point il est difficile de créer de telles œuvre d'art. L'un d'eux est Kandinsky lui-même.
Souvent, les enfants souhaitent savoir s'il est possible de comparer l'art moderne et primitif. Vous pouvez le découvrir et bien plus encore dans notre article.
Connu un grand nombre de diverses sortes d'arts. Chacun d'eux a ses propres caractéristiques et avantages. Ce qui s'est passé art presque tout le monde sait. Les enfants y sont initiés dès leur plus jeune âge.
Il s'agit d'un type d'activité artistique, grâce auquel le maître peut, à l'aide d'outils spéciaux, reproduire le monde. Son histoire en Russie se divise en deux périodes dont la limite est marquée par les réformes pétriniennes. B était étroitement associé à la vénération des icônes. Les icônes avaient leur propre style artistique. Le but de ces œuvres d'art est de montrer le calme et la tranquillité de la prière en communion avec Dieu. Cela explique la présence dans les icônes de la présence de certains moyens artistiques. Au fil du temps, les maîtres ont maîtrisé l'ouverture d'écoles de peinture d'icônes. L'œuvre la plus célèbre est considérée comme "Trinity" de A. Rublev. Les icônes des XVe-XVIe siècles se distinguent par l'harmonie des couleurs.
Au 17ème siècle, les icônes de "l'écriture Fryazhsky" étaient populaires. Ils sont caractérisés par des éléments de la peinture d'Europe occidentale, à savoir Peinture à l'huile, ressemblance de la modélisation en noir et blanc, images précises des personnes et de la nature. L'intérêt pour l'icône en tant qu'œuvre d'art n'apparaît qu'au XIXe siècle.
La sculpture russe ancienne existait sous la forme de sculptures sur pierre et sur bois. Le plus souvent, les maîtres représentaient des images de saints. Une attention particulière a été portée au visage. Aux XVIIIe et XIXe siècles, les sculpteurs et les peintres d'autres pays étaient en demande. Après un certain temps, les maîtres domestiques sont devenus populaires.
Au XVIIIe siècle, il devient le plus populaire et se caractérise par la sévérité du dessin, la conventionnalité de la couleur et l'utilisation de scènes de la Bible et de la mythologie. Ainsi naît peu à peu l'art national.
En 1860-1880, les premières galeries sont ouvertes et les maîtres domestiques deviennent célèbres dans le monde entier. Peu à peu, de nouvelles tendances émergent. Chacun d'eux a pris une place importante dans la formation du patrimoine culturel. Aux 18e et 19e siècles, l'humanité savait non seulement ce qu'étaient les beaux-arts, mais l'utilisait aussi activement.
Étonnamment, tous les thèmes et problèmes que les maîtres révèlent dans leurs œuvres d'art sont pertinents depuis de nombreux siècles. Les anciens Romains soutenaient que l'art, contrairement à la vie humaine, est éternel. Ce n'est pas un hasard. Les thèmes de l'art s'illuminent problèmes publics que l'on retrouve souvent aujourd'hui. C'est pourquoi ils sont d'une grande valeur pour l'humanité. Les maîtres révèlent souvent le thème de l'amour, de la nature et de l'amitié dans leurs œuvres.
Au fil du temps, les tendances de l'art changent et de nouveaux maîtres apparaissent, mais les thèmes et les images restent inchangés. C'est pourquoi tout travail reste pertinent pendant de nombreuses années.
Le rôle de l'art dans la vie de la société est inestimable. Elle s'appuie sur une réflexion artistique et figurative de la réalité. L'art forme l'apparence spirituelle des gens, leurs sentiments, leurs pensées et leur vision du monde. La recréation figurative de la réalité crée notre personnalité. L'art aide à se développer et à s'améliorer. Et aussi de connaître le monde qui vous entoure et vous-même.
L'art est héritage culturel. Grâce à des œuvres d'art, vous pouvez découvrir comment les gens vivaient à une époque ou à une autre. Récemment, diverses techniques artistiques sont devenues particulièrement populaires. Grâce à l'art, vous pouvez apprendre à vous contrôler. En créant un objet d'art, vous pouvez oublier les problèmes et vous débarrasser de la dépression.
Maxim Gorky croyait que les tâches de l'art sont l'évaluation morale et esthétique de tous les phénomènes essentiels. L'écrivain a dit que grâce à cela, on peut apprendre à se comprendre, combattre la vulgarité, être capable de comprendre les gens et trouver quelque chose de bien en eux. Aujourd'hui, trois fonctions de l'activité artistique sont connues. Les tâches de l'art sont la recherche, le journalisme et l'éducation. Les maîtres croient que la fonction de l'activité artistique est d'apporter de la beauté dans l'âme et le cœur des gens. Nikolai Vasilyevich Gogol a soutenu que la tâche de l'art est de représenter la réalité.
Beaucoup sont intéressés, A première vue, c'est impossible. Cependant, ce n'est pas le cas. Si nous percevons l'art comme un moyen d'expression de soi de l'individu, alors le moderne et le primitif sont sur le même plan. En les comparant, vous pouvez comprendre comment la perception d'une personne a changé.
La pensée humaine est devenue plus abstraite. Cela indique le développement actif de l'intellect. Au fil du temps, une personne a changé de priorités et perçoit aujourd'hui la vie différemment des ancêtres primitifs. Auparavant, les artisans s'intéressaient à l'apparence d'un objet et à sa forme, mais maintenant rôle principal les émotions sont impliquées dans les œuvres. Cette différence existe depuis la fin du XIXe siècle.
importante avec jeune âge développer non seulement l'hémisphère gauche, mais aussi l'hémisphère droit du cerveau. Pour ce faire, vous devez faire de l'art. Il est particulièrement important de prêter l'attention voulue au développement créatif de l'enfant. Nous recommandons vivement de le faire dès les premières années de sa vie. Tout le monde ne comprend pas le rôle, les tâches et les types d'art. Les informations brièvement décrites dans notre article vous permettent d'acquérir des connaissances de base sur divers domaines d'activité artistiques.
L'art existe depuis bien plus longtemps que la civilisation humaine, peut-être aussi longtemps qu'il y a une personne raisonnable. Mais il est peu probable que nos anciens ancêtres, représentant quelque chose sur les murs des grottes, aient pensé qu'un jour il y aurait des formes d'expression très étranges de l'art.
L'anamorphose est une manière de véhiculer une image qui n'est généralement perçue qu'à une certaine distance ou sous un certain angle. Dans certains cas, vous ne pouvez lire l'inscription que dans une image miroir. Les premières tentatives d'utilisation de l'anamorphose ont été faites par Léonard de Vinci au XVe siècle. Plusieurs tentatives remontent à la Renaissance, dont "Les Ambassadeurs" de Hans Holbein Jr. et les merveilleuses fresques d'Andrea Pozzo sur la voûte de l'église Saint-Ignace à Rome.
Au fil des siècles, les techniques ont évolué de la 3D sur papier au street art qui imite des trous ou des fissures dans le sol. La technique la plus réussie a été l'utilisation d'anamorphoses dans l'impression. Un exemple frappant est la tentative réussie des étudiants Joseph Egan et Hunter Thompson de décorer les murs d'un couloir d'université avec des textes déformés qui ne peuvent être lus qu'en se tenant du côté droit. Le designer de Chicago Thomas Quinn a inspiré les étudiants avec son travail et ils ont essayé de les incarner.
Au début des années 1960, les photoréalistes ont cherché à créer des images qui ressemblaient à de vraies photographies. L'appareil photo est capable de capturer les moindres détails et l'artiste photoréaliste est capable de créer une "image de l'image de la vie". Cette direction, qui comprend également la sculpture, est connue sous le nom de "super-réalisme" ou "hyper-réalisme". Il s'est concentré sur l'énergie de la vie quotidienne, en la transmettant le plus fidèlement possible.
Des photoréalistes tels que Richard Eastes, Audrey Flack, Robert Bechtle, Chuck Close et le sculpteur Dwayne Hanson ont créé des œuvres très réalistes que le spectateur a commencé à penser que de vrais objets pouvaient être des faux. Les critiques ne s'intéressent pas à cette tendance, car ils la considèrent comme relevant de la technologie et non de l'art.
Les œuvres de Wade participent à des expositions, des sociétés de publicité utilisent ses services. Étant donné que l'auteur travaille avec des surfaces en verre, sur lesquelles il est nécessaire d'avoir plusieurs couches de saleté, il utilise de l'huile et un sèche-cheveux dans son travail pour assurer la durabilité. Bientôt plus personne ne lavera les voitures.
De nombreux artistes utilisent des fluides produits par le corps humain pour créer leur travail. Par exemple, l'artiste australien Herman Nitzch utilise l'urine et le sang d'animaux. Les intrigues de ses œuvres, inspirées des événements vécus dans l'enfance associés à la Seconde Guerre mondiale, suscitent de nombreuses controverses et litiges.
Un artiste brésilien, Vinicius Quesada, est connu pour sa série "sanglante" intitulée "Blood Piss Blues". L'artiste n'utilise que son propre sang, refusant le sang de donneur et d'animal. Son travail est sursaturé de jaunes, de rouges et de verts pour créer une atmosphère dure et surréaliste. Sur l'un des plus oeuvres célébres"M. Monkey » présente un singe portant des lunettes fabriquées à partir d'une console de jeu Nintendo fumant un cigare.
Les artistes utilisent des matériaux très inhabituels pour peindre des images, mais ils ne s'arrêtent pas là et passent à la technique consistant à peindre des images avec différentes parties du corps. L'artiste australien Tim "Pricasso" Patch, âgé de 65 ans, a peint des tableaux avec sa virilité, mais le plus intéressant est que la popularité de l'artiste a augmenté ces derniers temps.
L'artiste non moins scandaleuse Kira Ain Warszegi a utilisé sa poitrine comme pinceau pour peindre des portraits. Cette approche a été critiquée. Cependant, elle peut dessiner à un haut niveau de manière traditionnelle. Ani K a peint des images avec sa langue et Stephen Mermer, un enseignant, a peint des images avec ses fesses, pour lesquelles il a été renvoyé de l'école.
Alors que les anamorphistes tentent de parvenir à la perception d'images bidimensionnelles comme tridimensionnelles, une tendance inverse est apparue lorsqu'on veut présenter une image 3D comme bidimensionnelle. Dans ce domaine, l'artiste Alexa Mead est devenue particulièrement célèbre. Afin de donner l'impression que les objets de l'image sont sans vie, l'artiste utilise des peintures acryliques. Elle travaille sur cette technique depuis 2008. Les premières œuvres ont été présentées au public dès 2009. Fondamentalement, les peintures de Mead représentent un homme assis sur une chaise contre un mur non peint. Il a fallu plusieurs heures pour créer une image.
Une autre spécialiste bien connue dans ce domaine peut être considérée comme Cynthia Greig, une artiste et photographe qui vit à Detroit. Dans ses peintures, elle dépeint des objets ordinaires du quotidien, les recouvre de peinture blanche et de charbon de bois pour créer l'illusion de planéité.
Shadow, un phénomène naturel, et il est difficile de dire quand les gens ont décidé de l'utiliser pour créer des objets d'art, mais les spécialistes modernes ont beaucoup accompli dans ce domaine. Ils ont disposé les objets de telle sorte que l'ombre crée des images de personnes, de lieux et de mots. Les professionnels notables incluent Kumi Yamashita et Fred Eerdekens. Les ombres sont souvent associées à quelque chose de sinistre, et de nombreux artistes, dont Tim Noble et Sue Webster, les utilisent pour créer l'illusion de la peur dans leur travail. Parmi leurs œuvres, notons l'installation "Dirty White Trash", dans laquelle ils ont utilisé un tas d'ordures pour créer des images d'un fumeur et d'un buveur dans l'ombre. Dans une autre installation, l'ombre forme l'image d'un corbeau, qui « déjeune » avec des têtes posées sur des colas. Rashad Alakbarov utilise du verre coloré et brillant et crée des images d'ombre absolument non sombres sur des murs vides.
La technique du graffiti inversé est exactement l'opposé de la technique de peinture sur saleté sur les voitures - dans ce cas, la saleté doit être enlevée lors de la création d'une image. À l'aide de machines à laver, les artistes lavent les dépôts d'échappement des voitures sur les murs, créant ainsi de belles images ou des motifs. L'ancêtre de cette direction est Paul Curtis "Moose". Une idée similaire lui est venue à l'esprit lorsqu'il travaillait dans un restaurant comme lave-vaisselle et qu'il a vu les murs couverts de suie de fumée de cigarette.
Ben Logue est un artiste britannique qui adopte une approche moins technologique du graffiti inversé que Curtis. Les images temporaires de Long, créées avec juste un doigt sur le pare-brise d'une voiture, sont assez durables et peuvent durer jusqu'à 6 mois si elles ne sont pas emportées par la pluie ou si un méchant intervient. Étonnamment, l'attitude envers le nouveau type de graffiti est différente. Plusieurs fois, la police a arrêté Paul Curtis pour "avoir écrit avec un bâton dans le sable", comme le dit l'artiste lui-même.
Les dessins sur le corps aujourd'hui ne surprendront personne, et dans le passé aussi, puisque les tribus mayas, égyptiennes, etc. ont été les premières dans cet art. Elle connaît aujourd'hui une nouvelle étape de développement. L'illusion de l'art corporel réside dans une image 3D qui semble assez réaliste - des personnes peintes comme des animaux aux trous réalistes dans les bras.
Hikaru Cho est un peintre corporel japonais bien connu qui se spécialise dans les scènes animées. Les artistes Johannes Stötter et Trin Merry se spécialisent dans l'art du camouflage.
En 1935, la méthode migre vers le domaine de l'art grâce à l'artiste Man Ray, qui filme son mouvement entouré de lumières avec une caméra. Au début, personne n'attachait beaucoup d'importance aux tourbillons de lumière dans les photographies, mais en 2009, il s'est avéré qu'il s'agissait d'une image miroir de la signature de l'artiste. Les adeptes du Maine, les artistes Gyon Mil Henri Matisse, Barbara Morgan, Jack Delano ou encore Pablo Picasso s'essayent au graphisme léger. Les artistes contemporains Michael Bosanco, Trevor Williams et Jana Leonardo ont également adopté ce qui est étroitement lié à la science.
Dans le sens le plus simple, l'art est la capacité d'une personne à traduire quelque chose de beau en réalité et à recevoir un plaisir esthétique de tels objets. Cela peut aussi être une des voies du savoir, appelée maîtrise, mais une chose est certaine : sans l'art, notre monde serait insipide, ennuyeux et pas du tout excitant.
Au sens le plus large, l'art est une sorte de savoir-faire dont les produits procurent un plaisir esthétique. Selon les entrées de l'Encyclopædia Britannica, le critère principal de l'art est la capacité d'évoquer une réponse d'autres personnes. À son tour, la Grande Encyclopédie soviétique dit que l'art est l'une des formes de conscience sociale, qui est la principale composante de la culture humaine.
Quoi qu'on en dise, mais le débat autour du terme "art" dure depuis très longtemps. Par exemple, à l'ère du romantisme, l'art était considéré comme une caractéristique de l'esprit humain. C'est-à-dire qu'ils comprenaient ce terme de la même manière que la religion et la science.
Dans le sens premier et le plus courant, le concept d'art a été déchiffré comme «artisanat» ou «composition» (c'est aussi la création). En termes simples, l'art pourrait être appelé tout ce qui a été créé par une personne en train d'inventer et de comprendre une certaine composition.
Jusqu'au XIXe siècle, l'art était le nom donné à la capacité d'un artiste ou d'un chanteur à exprimer son talent, à captiver le public et à le faire ressentir.
Le concept d'« art » peut être utilisé de la manière la plus différentes régions activité humaine:
En résumé, nous pouvons dire ce qui suit: l'art est une sorte de sous-système de la sphère spirituelle de la vie, qui est une reproduction créative de la réalité dans des images artistiques. C'est une compétence unique qui peut provoquer l'admiration du public.
L'art est évoqué dans la culture mondiale depuis l'Antiquité. L'art primitif (à savoir les beaux-arts, c'est aussi un dessin rupestre) est apparu avec l'homme à l'ère du Paléolithique moyen. Les premiers objets assimilables à l'art en tant que tel apparaissent au Paléolithique supérieur. Les œuvres d'art les plus anciennes, comme les colliers de coquillages, remontent à 75 000 av.
À l'âge de pierre, les rituels primitifs, la musique, les danses et les décorations étaient appelés art. En général, l'art moderne est issu d'anciens rituels, traditions, jeux, qui étaient conditionnés par des idées et des croyances mythologiques et magiques.
Dans l'art mondial, il est d'usage de distinguer plusieurs époques de son développement. Chacun d'eux a adopté quelque chose de ses ancêtres, ajouté quelque chose qui lui est propre et l'a laissé à ses descendants. De siècle en siècle, l'art a acquis une forme de plus en plus complexe.
L'art de la société primitive consistait en musique, chants, rituels, danses et images appliqués aux peaux d'animaux, à la terre et à d'autres objets naturels. Dans le monde de l'Antiquité, l'art a pris une forme plus complexe. Il s'est développé dans les civilisations égyptienne, mésopotamienne, perse, indienne, chinoise et autres. Chacun de ces centres est né de son propre style d'art unique, qui a duré plus d'un millénaire et qui a encore aujourd'hui un impact sur la culture. Soit dit en passant, les artistes grecs anciens étaient considérés comme les meilleurs (même meilleurs que les maîtres modernes) pour représenter le corps humain. Seulement, ils ont réussi d'une manière incroyable à bien représenter les muscles, la posture, à choisir les bonnes proportions et à transmettre la beauté naturelle de la nature.
Au Moyen Âge, les religions ont eu une influence significative sur le développement de l'art. C'est particulièrement vrai pour l'Europe. Gothique et art byzantin basé sur des vérités spirituelles et des histoires bibliques. A cette époque, en Orient et dans les pays d'Islam, on croyait que le dessin d'une personne n'était rien d'autre que la création d'une idole, ce qui était interdit. Par conséquent, l'architecture, les ornements étaient présents dans les arts visuels, mais il n'y avait personne. Calligraphie et bijoux développés. En Inde et au Tibet, la danse religieuse était l'art principal, suivie de la sculpture.
Une grande variété d'arts ont prospéré en Chine, ils n'ont été influencés ni pressés par aucune religion. Chaque époque avait ses maîtres, chacun d'eux avait son propre style, qu'ils perfectionnaient. Par conséquent, chaque œuvre d'art porte le nom de l'époque à laquelle elle a été créée. Par exemple, un vase de l'ère Ming ou une peinture de l'ère Tang. Au Japon, la situation est la même qu'en Chine. Le développement de la culture et de l'art dans ces pays a été assez original.
A la Renaissance, l'art revient à nouveau aux valeurs matérielles et à l'humanisme. Les figures humaines acquièrent leur physicalité perdue, la perspective apparaît dans l'espace et les artistes s'efforcent de refléter la certitude physique et rationnelle.
À l'ère du romantisme, les émotions apparaissent dans l'art. Les maîtres essaient de montrer l'individualité humaine et la profondeur des expériences. De multiples styles artistiques commencent à apparaître, comme l'académisme, le symbolisme, le fauvisme, etc. Certes, leur siècle fut court, et l'on peut dire que les anciennes directions, aiguillonnées par l'horreur des guerres vécues, renaissent de leurs cendres.
Au XXe siècle, les maîtres étaient à la recherche de nouvelles possibilités visuelles et de nouveaux standards de beauté. En raison de la mondialisation croissante, les cultures ont commencé à s'interpénétrer et à s'influencer mutuellement. Par exemple, les impressionnistes se sont inspirés des gravures japonaises, l'œuvre de Picasso a été fortement influencée par les beaux-arts de l'Inde. Dans la seconde moitié du XXe siècle, le développement de divers domaines de l'art a été influencé par le modernisme, avec sa recherche idéaliste inexorable de la vérité et ses normes rigides. La période de l'art moderne est venue quand il a été décidé que les valeurs sont relatives.
De tout temps, les théoriciens de l'histoire de l'art et des études culturelles ont dit que l'art, comme tout autre phénomène social, se caractérise par des fonctions et des propriétés différentes. Toutes les fonctions de l'art sont conditionnellement divisées en motivées et non motivées.
Les fonctions non motivées sont des propriétés qui font partie intégrante de la nature humaine. En termes simples, l'art est quelque chose vers lequel l'instinct pousse une personne et qui va au-delà du pratique et de l'utile. Ces fonctions incluent :
Les fonctions motivées de l'art sont les objectifs que le créateur se fixe consciemment lorsqu'il commence à créer une œuvre d'art.
Dans ce cas, l'art peut être :
Comme le montrent les fonctions, l'art joue un rôle important dans la vie de la société, influençant toutes les sphères de la vie humaine.
Initialement, l'art était considéré comme indivis, c'est-à-dire le complexe général de l'activité créative. Pour l'homme primitif, il n'y avait pas d'exemples distincts d'art comme le théâtre, la musique ou la littérature. Tout a été fusionné en un seul. Ce n'est qu'après un certain temps que différents types d'art ont commencé à apparaître. C'est le nom des formes historiquement établies de réflexion artistique du monde, qui sont utilisées pour créer différents moyens.
Selon les moyens utilisés, on distingue les formes d'art suivantes :
Aux formes répertoriées, on peut également ajouter des genres d'art tels que l'art de la variété, le graphisme, la radio, etc.
C'est étrange, mais pour une raison quelconque, on pense que l'art n'est destiné qu'aux couches supérieures de la population, la soi-disant élite. Pour d'autres personnes, ce concept est prétendument étranger.
L'art est généralement identifié à la richesse, à l'influence et au pouvoir. Après tout, ce sont ces gens qui peuvent se permettre d'acheter de belles choses indécemment chères et absurdement inutiles. Prenez, par exemple, l'Ermitage ou le château de Versailles, qui ont conservé de riches collections des monarques du passé. Aujourd'hui, les gouvernements, certaines organisations privées et les très riches peuvent se permettre de telles collections.
Parfois, on a l'impression que le rôle principal de l'art dans la vie d'une personne est de montrer aux autres le statut social. Dans de nombreuses cultures, les choses chères et élégantes montrent la position d'une personne dans la société. D'autre part, il y a deux siècles, des tentatives ont été faites pour art de haute qualité plus accessible au grand public. Par exemple, en 1793, le Louvre a été ouvert à tous (il était jusque-là la propriété des rois de France). Au fil du temps, cette idée a été reprise en Russie ( Galerie Tretiakov), USA (Metropolitan Museum) et autres pays européens. Pourtant, les personnes qui ont leur propre collection d'art seront toujours considérées comme plus influentes.
Dans le monde d'aujourd'hui, il existe une grande variété d'œuvres d'art. Ils acquièrent divers types, formes, moyens de création. La seule chose qui est restée inchangée est l'art populaire, dans sa forme primitive.
Aujourd'hui, même une simple idée est considérée comme de l'art. C'est grâce aux idées, à l'opinion publique et aux retours critiques que des œuvres comme le Carré noir, le service à thé recouvert de fourrure naturelle ou la photographie du Rhin vendue 4 millions de dollars connaissent un succès durable. Il est difficile d'appeler ces objets et d'autres similaires de l'art réel.
Qu'est-ce donc que l'art véritable ? En gros, ce sont des œuvres qui font réfléchir, poser des questions, chercher des réponses. Le véritable art attire, je veux obtenir cet article à tout prix. Même dans la littérature, les classiques russes ont écrit sur cette force attractive. Ainsi, dans l'histoire de Gogol "Portrait" personnage principal dépense ses dernières économies pour acquérir un portrait.
L'art véritable rend toujours une personne plus gentille, plus forte et plus sage. Possédant des connaissances et une expérience inestimables qui ont été accumulées au fil de nombreuses générations et qui sont maintenant disponibles sous une forme acceptable, une personne a la possibilité de se développer et de s'améliorer.
Le véritable art est toujours fait avec le cœur. Peu importe ce que ce sera - un livre, une image, de la musique, une pièce de théâtre. Le spectateur ressentira. Assurez-vous de ressentir ce que le créateur a voulu transmettre. Ressentez ses émotions, comprenez ses pensées, partez avec lui à la recherche de réponses. L'art réel est une conversation inaudible entre un auteur et une personne, après laquelle l'auditeur/lecteur/spectateur ne sera plus jamais le même. C'est ça le vrai art. Un vrai concentré de sensations. Comme l'a écrit Pouchkine, cela devrait brûler le cœur des gens, et quoi qu'il arrive - avec un verbe, un pinceau ou instrument de musique. Un tel art devrait servir les gens et les inspirer à changer, divertir quand ils sont tristes et inspirer l'espoir, surtout quand il semble qu'il n'y a pas d'issue. C'est le seul moyen, il ne peut en être autrement.
Aujourd'hui, il existe de nombreux objets étranges, parfois même ridicules, appelés œuvres d'art. Mais s'ils ne sont pas capables de "s'accrocher au vif", alors ils ne peuvent pas se rapporter à l'art a priori.
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INTRODUCTION
L'une des principales tâches de notre société face au système d'éducation moderne est la formation d'une culture de la personnalité. La pertinence de cette tâche est liée à la révision du système de vie et des valeurs artistiques et esthétiques. La formation de la culture de la jeune génération est impossible sans se référer aux valeurs artistiques accumulées par la société au cours de son existence. Ainsi, la nécessité d'étudier les fondements de l'histoire de l'art devient évidente.
Afin de bien comprendre l'art d'une certaine époque, il est nécessaire de naviguer dans la terminologie de l'histoire de l'art. Connaître et comprendre l'essence de chacun des arts. Ce n'est qu'en cas de possession d'un système catégoriel-conceptuel qu'une personne pourra réaliser pleinement la valeur esthétique des monuments d'art.
CLASSEMENT DES ARTS
L'art (réflexion créative, reproduction de la réalité dans les images artistiques.) existe et se développe comme un système de types interdépendants, dont la diversité est due à la polyvalence de lui-même (le monde réel, affiché dans le processus de création artistique.
Les formes d'art sont des formes d'activité créative historiquement établies qui ont la capacité de réaliser artistiquement le contenu de la vie et diffèrent dans les modes de son incarnation matérielle (mot dans la littérature, son dans la musique, matières plastiques et colorées dans les beaux-arts, etc.).
Dans la littérature d'histoire de l'art moderne, un certain schéma et système de classification des arts s'est développé, bien qu'il n'y en ait toujours pas un seul et qu'ils soient tous relatifs. Le schéma le plus courant est sa division en trois groupes.
Le premier comprend les arts spatiaux ou plastiques. Pour ce groupe d'arts, la construction spatiale est essentielle pour révéler l'image artistique - Beaux-Arts, Arts décoratifs et appliqués, Architecture, Photographie.
Le deuxième groupe comprend les arts temporaires ou dynamiques. En eux, la composition se déroulant dans le temps - Musique, Littérature - acquiert une importance capitale.
Le troisième groupe est celui des types spatio-temporels, également appelés arts synthétiques ou spectaculaires - Chorégraphie, Littérature, Arts du théâtre, Cinématographie.
L'existence de divers types d'arts est due au fait qu'aucun d'entre eux, par ses propres moyens, ne peut donner une image artistique complète du monde. Une telle image ne peut être créée que par toute la culture artistique de l'humanité dans son ensemble, composée de types d'art individuels.
CARACTERISTIQUES DES ARTS
ARCHITECTURE
L'architecture ("architecton" grec - "maître, constructeur") est une forme d'art monumentale, dont le but est de créer des structures et des bâtiments nécessaires à la vie et aux activités de l'humanité, répondant aux besoins utilitaires et spirituels des personnes.
Les formes des structures architecturales dépendent des conditions géographiques et climatiques, de la nature du paysage, de l'intensité de l'ensoleillement, de la sécurité sismique, etc.
L'architecture est plus étroitement liée que les autres arts au développement des forces productives, au développement de la technologie. L'architecture est capable de se combiner avec la peinture monumentale, la sculpture, les arts décoratifs et autres. La base de la composition architecturale est la structure tridimensionnelle, l'interconnexion organique des éléments d'un bâtiment ou d'un ensemble de bâtiments. L'échelle de la structure détermine en grande partie la nature de l'image artistique, sa monumentalité ou son intimité.
L'architecture ne reproduit pas directement la réalité, elle n'est pas picturale, mais expressive.
ART
Les beaux-arts sont un groupe de types de créativité artistique qui reproduisent la réalité perçue visuellement. Les œuvres d'art ont une forme objective qui ne change pas dans le temps et dans l'espace. Les beaux-arts comprennent : la peinture, le graphisme, la sculpture.
ARTS GRAPHIQUES
Le graphisme (traduit du grec - "j'écris, dessine") c'est avant tout le dessin et les imprimés artistiques (gravure, lithographie). Il est basé sur les possibilités de créer une forme d'art expressif en utilisant des lignes, des traits et des points de différentes couleurs appliqués à la surface de la feuille.
Le graphisme a précédé la peinture. Dans un premier temps, une personne a appris à saisir les contours et les formes plastiques des objets, puis à distinguer et reproduire leurs couleurs et nuances. La maîtrise de la couleur était un processus historique : toutes les couleurs n'étaient pas maîtrisées en même temps.
Les spécificités des graphiques sont des relations linéaires. En reproduisant les formes des objets, elle traduit leur illumination, le rapport de la lumière et de l'ombre, etc. La peinture saisit les rapports réels des couleurs du monde, en couleur et par la couleur elle exprime l'essence des objets, leur valeur esthétique, calibre leur finalité sociale, leur correspondance ou contradiction avec l'environnement.
Au cours du développement historique, la couleur a commencé à pénétrer dans le dessin et les graphiques imprimés, et maintenant le dessin avec des crayons de couleur - pastel et gravure en couleur, et la peinture à l'aquarelle - l'aquarelle et la gouache sont déjà inclus dans les graphiques. Dans diverses littératures sur l'histoire de l'art, il existe différents points de vue sur le graphisme. Dans certaines sources, le graphisme est un type de peinture, tandis que dans d'autres, il s'agit d'une sous-espèce distincte des beaux-arts.
PEINTURE
La peinture est un art visuel plat dont la spécificité réside dans la représentation à l'aide de peintures appliquées à la surface de l'image du monde réel, transformée par l'imagination créatrice de l'artiste.
La peinture est divisée en:
Monumental - fresque (de l'italien Fresco) - peinture sur plâtre humide avec des peintures diluées dans l'eau et mosaïque (du français mosaiqe) une image de pierres colorées, smalt (Smalt - verre transparent coloré.), Carreaux de céramique.
Chevalet (du mot "machine") - une toile créée sur un chevalet.
La peinture est représentée par une variété de genres (Genre (genre français, du latin genus, génitif generis - genre, espèce) est une division interne artistique, historiquement établie dans tous les types d'art.):
Le portrait est la tâche principale de transmettre une idée de l'apparence extérieure d'une personne, de révéler le monde intérieur d'une personne, de souligner son individualité, son image psychologique et émotionnelle.
Paysage - reproduit le monde environnant dans toute sa variété de formes. L'image du paysage marin est définie par le terme de marinisme.
Nature morte - l'image d'articles ménagers, d'outils, de fleurs, de fruits. Aide à comprendre la vision du monde et la manière d'une certaine époque.
Genre historique - raconte des moments historiquement importants de la vie de la société.
Genre domestique - reflète la vie quotidienne des gens, le tempérament, les coutumes, les traditions d'un groupe ethnique particulier.
La peinture d'icônes (traduite du grec par "image de prière") est l'objectif principal de diriger une personne sur le chemin de la transformation.
L'animalisme est la représentation d'un animal en tant que protagoniste d'une œuvre d'art.
Au XXe siècle. la nature de la peinture change sous l'influence du progrès technologique (apparition du matériel photo et vidéo), ce qui conduit à l'émergence de nouvelles formes d'art - l'art multimédia.
SCULPTURE
La sculpture est un art spatial et visuel qui explore le monde en images plastiques.
Les principaux matériaux utilisés en sculpture sont la pierre, le bronze, le marbre, le bois. Au stade actuel du développement de la société, du progrès technologique, le nombre de matériaux utilisés pour créer des sculptures s'est élargi : acier, plastique, béton et autres.
Il existe deux grands types de sculpture : volumétrique en trois dimensions (circulaire) et en relief :
Haut-relief - haut-relief,
Bas-relief - bas-relief,
Contre-relief - relief à mortaise.
Par définition, la sculpture est monumentale, décorative, de chevalet.
Monumental - utilisé pour décorer les rues et les places de la ville, désigner des lieux, des événements, etc. d'importance historique. La sculpture monumentale comprend:
les monuments,
les monuments,
Mémoriaux.
Chevalet - conçu pour être inspecté de près et conçu pour décorer l'intérieur.
Décoratif - utilisé pour décorer la vie quotidienne (petits objets en plastique).
ART DÉCORATIF ET APPLIQUÉ.
L'art décoratif et appliqué est une sorte d'activité créative dans la création d'articles ménagers conçus pour répondre aux besoins utilitaires, artistiques et esthétiques des personnes.
Les arts décoratifs et appliqués comprennent des produits fabriqués à partir d'une variété de matériaux et utilisant diverses technologies. Le matériau pour le sujet de DPI peut être du métal, du bois, de l'argile, de la pierre, de l'os. Les méthodes techniques et artistiques de fabrication des produits sont très diverses : ciselure, broderie, peinture, ciselure, etc. La principale caractéristique de l'objet DPI est la décoration, qui consiste en l'imagerie et le désir de décorer, de le rendre meilleur, plus beau.
Les arts décoratifs et appliqués ont un caractère national. Puisqu'il est issu des coutumes, habitudes, croyances d'une certaine ethnie, il est proche du mode de vie.
Une composante importante des arts décoratifs et appliqués est l'artisanat d'art populaire - une forme d'organisation du travail artistique basée sur la créativité collective, développant une tradition culturelle locale et axée sur la vente d'objets artisanaux.
L'idée créative clé de l'artisanat traditionnel est l'affirmation de l'unité des mondes naturel et humain.
Les principaux métiers folkloriques de la Russie sont:
Sculpture sur bois - Bogorodskaya, Abramtsevo-Kudrinskaya;
Peinture sur bois - Khokhloma, Gorodetskaya, Polkhov-Maidanskaya, Mezenskaya;
Décoration de produits à base d'écorce de bouleau - gaufrage sur écorce de bouleau, peinture;
Traitement artistique de la pierre - traitement de la pierre dure et tendre;
Sculpture sur os - Kholmogory, Tobolsk. Khotkovskaïa
Peinture miniature sur papier mâché - Miniature Fedoskino, miniature Palekh, miniature Msterskaya, miniature Kholuy
Traitement artistique du métal - argent noir Veliky Ustyug, émail Rostov, peinture Zhostovo sur métal;
Céramiques folkloriques - Céramiques Gjel, céramiques Skopinsky, jouet Dymkovo, jouet Kargopol;
Fabrication de dentelle - dentelle Vologda, dentelle Mikhailovsky,
Peinture sur tissu - Châles et châles Pavlovsky
Broderie - Vladimirskaya, entrelacs de couleurs, broderies dorées.
LITTÉRATURE
La littérature est une sorte d'art dans lequel le support matériel de l'image est le mot.
La portée de la littérature comprend les phénomènes naturels et sociaux, divers cataclysmes sociaux, la vie spirituelle de l'individu, ses sentiments. Dans ses différents genres, la littérature embrasse ce matériau soit par une reproduction dramatique d'une action, soit par une narration épique d'événements, soit par une auto-révélation lyrique du monde intérieur d'une personne.
La littérature est divisée en :
artistique
éducatif
historique
scientifique
Référence
Les principaux genres littéraires sont :
- Paroles- l'un des trois principaux genres de fiction, reflète la vie en décrivant une variété d'expériences humaines, une caractéristique des paroles est une forme poétique.
- Drame- l'un des trois principaux genres de fiction, une intrigue écrite sous une forme familière et sans le discours de l'auteur.
- épique- la littérature narrative, l'un des trois principaux genres de fiction, comprend :
- épique- une œuvre majeure du genre épique.
- Nouvelle- prose narrative (beaucoup moins souvent - poétique) genre de littérature, représentant une petite forme narrative.
- Conte(histoire) - un genre littéraire qui se distingue par un volume moins important, moins de personnages, un contenu de vie et une ampleur
- Histoire- Une œuvre épique de petite taille, qui diffère de la nouvelle par la plus grande prévalence et l'arbitraire de la composition.
- Roman- une grande œuvre narrative en prose, parfois en vers.
- ballade- une intrigue poétique lyrique-épique écrite en strophes.
- poème- une œuvre littéraire d'intrigue de nature lyrique-épique en vers.
La spécificité de la littérature est un phénomène historique, tous les éléments et parties constitutives d'une œuvre littéraire et du processus littéraire, toutes les caractéristiques de la littérature sont en constante évolution. La littérature est un système idéologique et artistique vivant, mobile, sensible aux changements de la vie. Le prédécesseur de la littérature est l'art populaire oral.
ART MUSICAL
Musique - (du grec musike - allumé - l'art des muses), un type d'art dans lequel les sons musicaux organisés d'une certaine manière servent de moyen d'incarner des images artistiques. Les principaux éléments et moyens d'expression de la musique sont le mode, le rythme, le mètre, le tempo, la dynamique forte, le timbre, la mélodie, l'harmonie, la polyphonie, l'instrumentation. La musique est enregistrée en notation musicale et réalisée dans le processus de performance.
La division de la musique en musique profane et spirituelle est acceptée. Le domaine principal de la musique sacrée est culte. Le développement de la théorie musicale européenne de la notation musicale et de la pédagogie musicale est lié à la musique culte européenne (généralement appelée musique d'église). Par moyens d'exécution, la musique est divisée en voix (chant), instrumentale et vocale-instrumentale. La musique est souvent associée à la chorégraphie, à l'art théâtral et au cinéma. Distinguer la musique monophonique (monodie) et polyphonique (homophonie, polyphonie). La musique est divisée en :
Pour les genres et les types - théâtral (opéra, etc.), symphonique, de chambre, etc. ;
Genres - chanson, choral, danse, marche, symphonie, suite, sonate, etc.
Les œuvres musicales se caractérisent par certaines structures typiques relativement stables. La musique utilise, comme moyen d'incarner la réalité et les sentiments humains, les images sonores.
La musique en images sonores exprime généralement les processus essentiels de la vie. Une expérience émotionnelle et une idée colorée par le sentiment, exprimée par des sons d'un genre particulier, qui sont basés sur les intonations de la parole humaine - telle est la nature d'une image musicale.
CHORÉGRAPHIE
La chorégraphie (gr. Choreia - danse + grapho - écriture) est une sorte d'art dont le matériau est les mouvements et les postures du corps humain, poétiquement significatifs, organisés dans le temps et l'espace, constituant un système artistique.
La danse interagit avec la musique et forme avec elle une image musicale et chorégraphique. Dans cette union, chaque composante dépend de l'autre : la musique dicte ses propres lois à la danse et en même temps est influencée par la danse. Dans certains cas, la danse peut être exécutée sans musique - accompagnée d'applaudissements, de tapotements avec des talons, etc.
Les origines de la danse étaient : l'imitation des processus de travail ; les célébrations et cérémonies rituelles, dont le côté plastique avait une certaine régulation et sémantique ; danse exprimant spontanément en mouvements en mouvements le point culminant de l'état émotionnel d'une personne.
La danse a toujours, de tout temps, été associée à la vie et au mode de vie des gens. Ainsi, chaque danse correspond au caractère, à l'esprit du peuple dont elle est issue.
THÉÂTRE
Le théâtre est une forme d'art qui maîtrise artistiquement le monde à travers une action dramatique menée par une équipe créative.
La base du théâtre est la dramaturgie. La nature synthétique de l'art théâtral détermine sa nature collective : la performance combine les efforts créatifs d'un dramaturge, d'un metteur en scène, d'un artiste, d'un compositeur, d'un chorégraphe, d'un acteur.
Les représentations théâtrales sont divisées en genres:
- Drame;
- La tragédie;
- Comédie;
- Musicale, etc...
L'art théâtral a ses racines dans l'Antiquité. Ses éléments les plus importants existaient déjà dans les rites primitifs, dans les danses totémiques, dans la copie des mœurs des animaux, etc.
ART PHOTOGRAPHIQUE.
La photographie (gr. Phos (photos) lumière + grafo j'écris) est un art qui reproduit sur un plan, à travers des lignes et des ombres, de la manière la plus parfaite et sans possibilité d'erreur, le contour et la forme de l'objet qu'il transmet .
Une caractéristique spécifique de la photographie est l'interaction organique des processus créatifs et technologiques en son sein. L'art photographique s'est développé au tournant des XIXe et XXe siècles à la suite de l'interaction de la pensée artistique et des progrès de la science et de la technologie photographiques. Son émergence a été historiquement préparée par le développement de la peinture, qui s'est orientée vers une image miroir fidèle du monde visible et a utilisé les découvertes de l'optique géométrique (perspective) et des instruments d'optique (camera obscura) pour atteindre cet objectif.
La spécificité de l'art photographique réside dans le fait qu'il donne une image picturale à valeur documentaire.
Une photographie donne une image artistiquement expressive et capture avec certitude un moment essentiel de la réalité dans une image figée.
Les faits de la vie en photographie sont transférés presque sans traitement supplémentaire du domaine de la réalité au domaine de l'art.
CINÉMA
Le cinéma est l'art de reproduire à l'écran des images en mouvement captées sur film, créant l'impression d'une réalité vivante. Le cinéma est une invention du XXe siècle. Son apparence est déterminée par les réalisations de la science et de la technologie dans le domaine de l'optique, de l'ingénierie électrique et photographique, de la chimie, etc.
Le cinéma traduit la dynamique de l'époque ; travaillant avec le temps comme moyen d'expression, le cinéma est capable de traduire le changement divers événements dans leur logique interne.
Le cinéma est un art synthétique, il comprend des éléments organiques tels que la littérature (scénario, chansons), la peinture (dessin animé, décors dans un long métrage), l'art théâtral (jeu), la musique, qui sert de complément à l'image visuelle.
Le cinéma peut être conditionnellement divisé en documentaire scientifique et en fiction.
Les genres cinématographiques sont également définis :
La tragédie,
Fantastique,
Comédie,
Historique, etc...
CONCLUSION
La culture joue un rôle particulier dans l'amélioration de la personnalité, dans la formation de son image individuelle du monde, car elle accumule toute l'expérience émotionnelle, morale et évaluative de l'humanité.
Le problème de l'éducation artistique et esthétique dans la formation des orientations de valeurs de la jeune génération est devenu l'objet de l'attention des sociologues, des philosophes, des théoriciens de la culture et des critiques d'art. Ce manuel de formation est un petit ajout à l'énorme réservoir Matériel pédagogique liés aux arts. L'auteur exprime l'espoir qu'il servira d'une bonne aide pour les étudiants, les élèves et tous ceux qui ne sont pas indifférents à l'art.
Art (lat. experimentum - expérience, test) - compréhension figurative de la réalité; le processus ou le résultat de l'expression du monde interne ou externe (par rapport au créateur) dans image artistique ; créativité dirigée de telle manière qu'elle reflète les intérêts non seulement de l'auteur lui-même, mais aussi d'autres personnes. L'art (avec la science) est l'une des voies de la cognition, à la fois dans les sciences naturelles et dans l'image religieuse de la perception du monde. Le concept d'art est extrêmement large - il peut se manifester comme une compétence extrêmement développée dans un domaine particulier. Pendant longtemps, l'art a été considéré comme une sorte d'activité culturelle qui satisfait l'amour d'une personne pour la beauté. Parallèlement à l'évolution des normes et des évaluations esthétiques sociales, toute activité visant à créer des formes esthétiquement expressives a acquis le droit d'être appelée art. A l'échelle de l'ensemble de la société, l'art est une manière particulière de connaître et de refléter la réalité, une des formes d'activité artistique de la conscience sociale et une partie de la culture spirituelle de l'homme et de toute l'humanité, un résultat divers de l'activité créatrice de toutes les générations. En science, l'art est appelé à la fois l'activité artistique créative réelle et son résultat - une œuvre d'art. Dans le sens le plus général, l'art s'appelle l'artisanat (slovaque. Umenie), dont le produit procure un plaisir esthétique. L'Encyclopedia Britannica le définit comme suit : "L'utilisation de compétences ou d'imagination pour créer des objets esthétiques, des décors ou des activités qui peuvent être partagés avec d'autres." Ainsi, le critère de l'art est la capacité d'évoquer une réponse d'autres personnes. TSB définit l'art comme l'une des formes de conscience sociale, la composante la plus importante de la culture humaine. La définition et l'évaluation de l'art en tant que phénomène fait l'objet d'un débat permanent. À l'époque romantique, la compréhension traditionnelle de l'art en tant qu'artisanat de toute sorte a cédé la place à une vision de celui-ci comme «une caractéristique de l'esprit humain avec la religion et la science». Au XXe siècle. Dans la compréhension de l'esthétique, il y a eu trois approches principales : réaliste, selon laquelle les qualités esthétiques d'un objet lui sont inhérentes de manière immanente et ne dépendent pas de l'observateur, objectiviste, qui considère également les propriétés esthétiques d'un objet comme immanentes , mais dans une certaine mesure dépendante de l'observateur, et relativiste, selon laquelle les propriétés esthétiques d'un objet ne dépendent que de ce que l'observateur y voit, et différentes personnes peuvent percevoir différentes qualités esthétiques du même objet. De ce dernier point de vue, un objet peut être caractérisé selon les intentions de son créateur (ou l'absence d'intentions), quelle que soit la fonction à laquelle il était destiné. Par exemple, un gobelet qui peut être utilisé comme récipient dans la vie de tous les jours peut être considéré comme une œuvre d'art s'il a été créé uniquement pour l'ornement, et une image peut être un artisanat si elle est produite sur une chaîne de montage.
Dans son sens premier et le plus large, le terme « art » (art) reste proche de son équivalent latin (ars), qui peut aussi se traduire par « savoir-faire » ou « métier », ainsi que de la racine indo-européenne « composant " ou " se maquiller ". En ce sens, tout ce qui a été créé dans le processus de compilation délibérée d'une certaine composition peut être appelé art. Quelques exemples illustrent le sens large de ce terme : "artificiel", "art de la guerre", "artillerie", "artefact". De nombreux autres mots couramment utilisés ont une étymologie similaire. Artiste Ma Lin, un exemple de peinture de l'époque Song, vers 1250 24,8 H 25,2 cm art antiquité connaissance
Jusqu'au XIXe siècle, les beaux-arts désignaient la capacité d'un artiste ou d'un artiste à exprimer son talent, à éveiller des sentiments esthétiques chez le public et à s'engager dans la contemplation des "belles" choses.
Le terme art peut être utilisé dans différents sens : le processus d'utilisation du talent, le travail d'un maître doué, la consommation d'œuvres d'art par un public et l'étude de l'art (histoire de l'art). Les « beaux-arts » sont un ensemble de disciplines (arts) qui produisent des œuvres d'art (objets) créées par des maîtres doués (l'art en tant qu'activité) et évoquent une réponse, une humeur, transmettent un symbolisme et d'autres informations au public (l'art en tant que consommation). Une œuvre d'art est l'interprétation intentionnelle et talentueuse d'un nombre illimité de concepts et d'idées afin de les transmettre à d'autres. Ils peuvent être créés spécifiquement dans un but précis, ou ils peuvent être représentés par des images et des objets. L'art stimule les pensées, les sentiments, les représentations et les idées à travers les sensations. Il exprime des idées, prend de nombreuses formes différentes et sert à de nombreuses fins différentes. L'art est une compétence qui peut être admirée. L'art qui évoque des émotions positives et une satisfaction mentale avec son harmonie peut également évoquer une réponse créative de la part du spectateur, de l'inspiration, de l'incitation et du désir de créer de manière positive. C'est ainsi que l'artiste Valery Rybakov, membre de l'Union professionnelle des artistes, a déclaré à propos de l'art : « L'art peut détruire et guérir l'âme humaine, corrompre et éduquer. Et seul l'art de la lumière est capable de sauver l'humanité : il guérit les blessures spirituelles, donne de l'espoir pour l'avenir, apporte l'amour et le bonheur au monde."
