"कला" की अवधारणा सभी को ज्ञात है। यह हमें जीवन भर घेरे रहता है। कला मानव जाति के विकास में एक बड़ी भूमिका निभाती है। यह लेखन के निर्माण से बहुत पहले दिखाई दिया। हमारे लेख से आप भूमिका और कार्यों के बारे में जान सकते हैं।
"कला" की अवधारणा काफी बहुमुखी है। आमतौर पर, इसका अर्थ मानव गतिविधि की एक शाखा है जो एक आध्यात्मिक आवश्यकता को पूरा कर सकती है, अर्थात् सौंदर्य का प्रेम। कला सामाजिक चेतना का एक विशेष रूप है। यह मानव जीवन का कलात्मक प्रतिबिंब है। उसके लिए धन्यवाद, आप यह पता लगा सकते हैं कि लोग उस अन्य समय अवधि में कैसे रहते थे।
"कला" की अवधारणा को प्रकट करने वाले पहले लेखक चार्ल्स बट्यो थे। उन्होंने एक संपूर्ण ग्रंथ बनाया जिसमें उन्होंने मानव गतिविधि की इस शाखा को वर्गीकृत किया। उनकी किताब द फाइन आर्ट्स रिड्यूस्ड टू वन प्रिंसिपल 1746 में प्रकाशित हुई थी। चार्ल्स बट्यो का मानना है कि उन्हें कई मानदंडों के अनुसार पहचाना जा सकता है। लेखक को यकीन है कि कला आनंद लाती है, और इसमें एक आध्यात्मिक चरित्र भी है, न कि शारीरिक चरित्र।
"कला" की अवधारणा में पेंटिंग, संगीत, कविता, वास्तुकला और बहुत कुछ शामिल है जिसका हम दैनिक आधार पर सामना करते हैं। किसी भी प्रकार की कलात्मक गतिविधि निश्चित रूप से प्रतिष्ठित होती है सकारात्मक गुण. कला के प्रत्येक क्षेत्र में वास्तविकता और कलात्मक कार्यों के पुनरुत्पादन का एक विशेष तरीका है। सभी प्रकार की कलात्मक गतिविधियों को जेनेरा और शैलियों में विभाजित किया गया है।
आमतौर पर कला को तीन समूहों में बांटा जाता है:
विभिन्न प्रकार की कलाएँ हैं:
ग्राफिक कला एक प्रकार है जिसमें छवियों के चित्र और मुद्रित ग्राफिक्स (उत्कीर्णन, मिनोटोपिया, आदि) शामिल हैं। उसका अभिव्यक्ति के साधन- रूपरेखा, स्ट्रोक, पृष्ठभूमि और स्थान। यह ज्ञात है कि यह सबसे लोकप्रिय प्रकार की ललित कला है। सामग्री और रूप के संदर्भ में, ग्राफिक्स पेंटिंग के साथ बहुत आम हैं।
उत्कीर्णन एक प्रकार का ग्राफिक्स है जिसमें ड्राइंग एक मुद्रित छाप है। यह एक विशेष उत्कीर्णक के साथ लगाया जाता है। उत्कीर्णन को धातु, लकड़ी और लिनोलियम पर चित्रित किया जा सकता है।
एक अन्य लोकप्रिय प्रकार का ग्राफिक्स एक विशेष प्रकार का फ्लैट प्रिंटिंग है, जिसमें एक पत्थर की सतह प्रिंटिंग प्लेट के रूप में कार्य करती है। इस प्रजाति का आविष्कार 1798 में हुआ था। छवि को एक विशेष स्याही या पेंसिल का उपयोग करके पत्थर पर लगाया जाता है।
ग्राफिक्स की कला सभी मौजूदा में सबसे प्राचीन है। पहली छवियां नवपाषाण और कांस्य युग से मौजूद हैं। हमारे पूर्वजों ने गुफाओं और चट्टानों की दीवारों पर एक पैटर्न उकेरा था। कुछ समय बाद, छवियों को हथियारों और घरेलू सामानों पर लागू किया गया। लेखन के आगमन के बाद, अक्षरों, पुस्तकों और पत्रों के डिजाइन में ग्राफिक्स का उपयोग किया जाने लगा।
रेखाचित्रों की प्रतिलिपि बनाने के तरीके कई वर्षों से अज्ञात थे। इसीलिए सभी चित्र एक ही प्रति में बनाए गए थे। यह कोई रहस्य नहीं है कि आज ऐसे ग्राफिक चित्र कलेक्टरों के बीच मांग में हैं।
20वीं शताब्दी के मध्य में, विशेषज्ञों ने काले और सफेद ग्राफिक्स की तकनीक विकसित करना शुरू किया। ग्राफिक बनावट के 20 से अधिक वेरिएंट बनाए गए थे। प्रशिक्षण पुस्तिका प्रकाशित हो चुकी है।. आज, ग्राफिक्स कला में अग्रणी स्थान रखता है।
बेंटो बच्चों और वयस्कों के लिए एक असामान्य कला है। यह कोई रहस्य नहीं है कि कई माता-पिता नहीं जानते कि अपने बच्चे को स्वस्थ खाने के लिए कैसे सिखाया जाए। आज, दुकानों की अलमारियों पर हानिकारक और खतरनाक भोजन का एक बड़ा चयन है। एक नया कला रूप, बेंटो, बचाव में आ सकता है। यह चीन में दिखाई दिया। चीनी इस शब्द को वह भोजन कहते हैं जिसे वे विशेष बक्सों में पैक करते हैं और अध्ययन या काम करने के लिए अपने साथ ले जाते हैं। बेंटो कला का एक काम है जिसे खाया जा सकता है। प्रतिभाशाली गृहिणियां और रसोइया भोजन से मूर्तियां और छोटी पेंटिंग बनाती हैं। ऐसे भोजन के बीच मुख्य अंतर संतुलन और बड़ी मात्रा में विटामिन की उपस्थिति है। चीनी केवल पौष्टिक भोजन से कला का एक खाद्य कार्य बनाते हैं।
बेंटो बच्चों और वयस्कों के लिए एक कला है, जिसकी बदौलत बच्चा स्वस्थ भोजन खाने का आनंद उठाएगा। यह अभी तक हमारे साथ इतना लोकप्रिय नहीं है, लेकिन इस तकनीक में महारत हासिल करने वाले कई स्वामी पहले से ही जाने जाते हैं।
कला बच्चे के जीवन और उसके व्यक्तित्व के विकास में महत्वपूर्ण भूमिका निभाती है। आज, बिल्कुल हर व्यक्ति को गतिविधि के किसी विशेष क्षेत्र के बारे में कम से कम बुनियादी ज्ञान होना चाहिए। समाज तेजी से विकास कर रहा है, और इसलिए प्रत्येक व्यक्ति को बहुआयामी होना चाहिए। कई आधुनिक माता-पिता अपने बच्चे को जल्द से जल्द कला के प्रति प्रेम पैदा करने की कोशिश करते हैं। इसके लिए, काफी संख्या में परवरिश के तरीके विकसित किए गए हैं जिनका उपयोग बच्चे के जीवन के पहले महीनों से किया जा सकता है।
बच्चा स्कूल में कला रूपों की अवधारणा प्राप्त करता है। आमतौर पर माता-पिता, शिक्षक और शिक्षक लिखने, पढ़ने, गिनने और अन्य विषयों पर बहुत ध्यान देते हैं जिसके लिए मस्तिष्क का बायां गोलार्द्ध जिम्मेदार होता है। सही विकास के लिए, आपको संगीत, नृत्य और अन्य कलाओं का अध्ययन करने की आवश्यकता होगी। भविष्य में पूर्ण रूप से गठित व्यक्तित्व बनने के लिए मस्तिष्क के दोनों गोलार्द्धों को विकसित करना महत्वपूर्ण है।
एक बच्चे में कला के विकास के लिए धन्यवाद:
एक बच्चे को कला से परिचित कराने के लिए, सबसे पहले एक ज़ोन को व्यवस्थित करना ज़रूरी है जिसमें रचनात्मक गतिविधि के लिए आवश्यक सभी सामग्री संग्रहीत की जाएगी। आपको घर पर कई कला पुस्तकें रखने की आवश्यकता होगी। बचपन से ही बच्चे को उन्हें पढ़ने की जरूरत होती है। सीखी गई हर चीज पर चर्चा करना महत्वपूर्ण है। कला से परिचित होने के लिए, आपको अपने बच्चे के साथ महीने में कम से कम एक बार संग्रहालयों, दीर्घाओं, थिएटरों और प्रदर्शनियों का दौरा करना होगा। किसी भी मामले में आपको बच्चों के हाथों से बनाए गए चित्र, एप्लिकेशन और शिल्प को फेंकना नहीं चाहिए। उनके लिए धन्यवाद, आप बच्चे की रचनात्मक वृद्धि देख सकते हैं। जितनी जल्दी हो सके उसे विषयगत सर्कल में नामांकित करना भी महत्वपूर्ण है, जिन कक्षाओं में वह पसंद करेगा।
कुछ काम करता है समकालीन कलान केवल बच्चों, बल्कि वयस्कों की ओर से घबराहट पैदा करें। आधुनिकतावादियों द्वारा डिजाइन की गई वास्तुकला को न समझ पाना किसी विशेष बच्चे के लिए असामान्य नहीं है। छात्र को यह समझाना महत्वपूर्ण है कि मानव जाति के विकास में कला का कोई भी कार्य एक महत्वपूर्ण चरण है।
बच्चों में कई प्रश्न अमूर्त चित्रों का कारण बनते हैं। बहुत सारे विशेष संस्करण हैं, जिसकी बदौलत माता-पिता बच्चे को दिखा सकते हैं कि ऐसा बनाना कितना मुश्किल है कला का टुकड़ा. उनमें से एक खुद कैंडिंस्की हैं।
अक्सर बच्चे इस बात में रुचि रखते हैं कि क्या आधुनिक और आदिम कला की तुलना करना संभव है। आप इसे और बहुत कुछ हमारे लेख में जान सकते हैं।
ज्ञात एक बड़ी संख्या कीविभिन्न प्रकार की कलाएँ। उनमें से प्रत्येक की अपनी विशेषताएं और फायदे हैं। क्या हुआ है कलालगभग सभी जानते हैं। बच्चों को कम उम्र में ही इससे परिचित करा दिया जाता है।
यह एक प्रकार की कलात्मक गतिविधि है, जिसकी बदौलत मास्टर विशेष उपकरणों की मदद से पुनरुत्पादन कर सकता है दुनिया. रूस में इसका इतिहास दो अवधियों में बांटा गया है, जिसकी सीमा पेट्रीन सुधारों द्वारा चिह्नित की गई थी। बी आइकन वंदना के साथ निकटता से जुड़ा हुआ था। प्रतीकों की अपनी कलात्मक शैली थी। कला के ऐसे कार्यों का उद्देश्य ईश्वर के साथ एकता में प्रार्थनापूर्ण संयम और शांति दिखाना है। यह कुछ कलात्मक साधनों की उपस्थिति के प्रतीक में उपस्थिति की व्याख्या करता है। समय के साथ, मास्टर्स ने आइकन पेंटिंग के स्कूल खोलने में महारत हासिल की। ए रुबलेव द्वारा सबसे प्रसिद्ध काम "ट्रिनिटी" माना जाता है। XV-XVI सदियों के प्रतीक रंगों के सामंजस्य से प्रतिष्ठित हैं।
17 वीं शताब्दी में, "फ्रायाज़्स्की लेखन" के चिह्न लोकप्रिय थे। उन्हें पश्चिमी यूरोपीय चित्रकला के तत्वों की विशेषता है, अर्थात् तैलीय रंग, ब्लैक एंड व्हाइट मॉडलिंग की समानता, लोगों और प्रकृति की सटीक छवियां। कला के काम के रूप में आइकन में रुचि केवल उन्नीसवीं शताब्दी में उत्पन्न हुई।
पुरानी रूसी मूर्तिकला पत्थर और लकड़ी की नक्काशी के रूप में मौजूद थी। अक्सर, स्वामी संतों की छवियों को चित्रित करते थे। चेहरे पर विशेष ध्यान दिया गया। 18वीं और 19वीं शताब्दी में दूसरे देशों के मूर्तिकारों और चित्रकारों की मांग थी। कुछ समय बाद घरेलू स्वामी लोकप्रिय हो गए।
18वीं शताब्दी में, यह सबसे लोकप्रिय हो गया। यह ड्राइंग की गंभीरता, रंग की पारंपरिकता और बाइबिल और पौराणिक कथाओं के दृश्यों के उपयोग की विशेषता है। इस प्रकार धीरे-धीरे राष्ट्रीय कला का जन्म हुआ।
1860-1880 में, पहली दीर्घाएँ खोली गईं, और घरेलू स्वामी पूरी दुनिया में प्रसिद्ध हो गए। धीरे-धीरे नए रुझान सामने आते हैं। उनमें से प्रत्येक ने सांस्कृतिक विरासत के निर्माण में एक महत्वपूर्ण स्थान लिया है। 18वीं और 19वीं शताब्दी में, मानव जाति न केवल यह जानती थी कि ललित कला क्या है, बल्कि इसका सक्रिय रूप से उपयोग भी करती थी।
आश्चर्यजनक रूप से, कला के अपने कार्यों में स्वामी द्वारा प्रकट किए जाने वाले सभी विषय और समस्याएं कई सदियों से प्रासंगिक हैं। प्राचीन रोमनों ने तर्क दिया कि कला, मानव जीवन के विपरीत, शाश्वत है। यह कोई संयोग नहीं है। कला में विषय-वस्तु प्रकाशित होती है सार्वजनिक समस्याएंजो आज प्राय: देखने को मिलते हैं। इसलिए वे मानव जाति के लिए बहुत महत्वपूर्ण हैं। मास्टर्स अक्सर अपने कामों में प्यार, प्रकृति और दोस्ती के विषय को प्रकट करते हैं।
समय के साथ, कला में रुझान बदलते हैं और नए स्वामी दिखाई देते हैं, लेकिन विषय और चित्र अपरिवर्तित रहते हैं। इसीलिए कोई भी कार्य कई वर्षों तक प्रासंगिक बना रहता है।
समाज के जीवन में कला की भूमिका अमूल्य है। यह वास्तविकता के एक कलात्मक और आलंकारिक प्रतिबिंब पर आधारित है। कला लोगों की आध्यात्मिक उपस्थिति, उनकी भावनाओं, विचारों और विश्वदृष्टि का निर्माण करती है। वास्तविकता का आलंकारिक मनोरंजन हमारे व्यक्तित्व का निर्माण करता है। कला स्वयं को विकसित करने और सुधारने में मदद करती है। और अपने और अपने आसपास की दुनिया को जानने के लिए भी।
कला है सांस्कृतिक विरासत. कला के कार्यों के लिए धन्यवाद, आप पता लगा सकते हैं कि लोग एक समय या किसी अन्य में कैसे रहते थे। हाल ही में, विभिन्न कला तकनीकें विशेष रूप से लोकप्रिय हो गई हैं। कला के माध्यम से आप खुद पर नियंत्रण करना सीख सकते हैं। एक कला वस्तु बनाकर आप समस्याओं को भूल सकते हैं और अवसाद से छुटकारा पा सकते हैं।
मैक्सिम गोर्की का मानना था कि कला का कार्य सभी आवश्यक घटनाओं का नैतिक और सौंदर्य मूल्यांकन है। लेखक ने कहा कि इसके लिए धन्यवाद, आप खुद को समझना सीख सकते हैं, अश्लीलता से लड़ सकते हैं, लोगों को समझ सकते हैं और उनमें कुछ अच्छा पा सकते हैं। आज, कलात्मक गतिविधि के तीन कार्य ज्ञात हैं। कला के कार्य अनुसंधान, पत्रकारिता और शिक्षा हैं। मास्टर्स का मानना है कि कलात्मक गतिविधि का कार्य लोगों की आत्मा और दिलों में सुंदरता लाना है। निकोलाई वासिलीविच गोगोल ने तर्क दिया कि कला का कार्य वास्तविकता को चित्रित करना है।
कई रुचि रखते हैं, पहली नज़र में यह असंभव है। हालाँकि, ऐसा नहीं है। यदि हम कला को व्यक्ति की आत्म-अभिव्यक्ति के रूप में देखते हैं, तो आधुनिक और आदिम दोनों एक ही तल पर हैं। उनकी तुलना करके आप समझ सकते हैं कि किसी व्यक्ति की धारणा कैसे बदली है।
मानव की सोच अधिक अमूर्त हो गई है। यह बुद्धि के सक्रिय विकास को इंगित करता है। समय के साथ, मनुष्य ने प्राथमिकताओं को बदल दिया है और आज जीवन को आदिम पूर्वजों की तुलना में अलग तरह से देखता है। पहले, कारीगर किसी वस्तु और उसके आकार के रूप में रुचि रखते थे, लेकिन अब अग्रणी भूमिकाकार्यों में भावनाएँ शामिल होती हैं। यह अंतर 19वीं शताब्दी के अंत से अस्तित्व में है।
साथ महत्वपूर्ण प्रारंभिक अवस्थान केवल बाएं, बल्कि मस्तिष्क के दाएं गोलार्ध का भी विकास करें। ऐसा करने के लिए, आपको कला करने की आवश्यकता है। बच्चे के रचनात्मक विकास पर उचित ध्यान देना विशेष रूप से महत्वपूर्ण है। हम दृढ़ता से उसके जीवन के पहले वर्षों से ऐसा करने की सलाह देते हैं। हर कोई कला की भूमिका, कार्यों और प्रकारों को नहीं समझता। हमारे लेख में संक्षेप में वर्णित जानकारी आपको गतिविधि के विभिन्न कलात्मक क्षेत्रों के बारे में बुनियादी ज्ञान प्राप्त करने की अनुमति देती है।
कला मानव सभ्यता की तुलना में बहुत लंबे समय से अस्तित्व में है, शायद जब तक कोई उचित व्यक्ति है। लेकिन यह संभावना नहीं है कि हमारे प्राचीन पूर्वजों ने गुफाओं की दीवारों पर कुछ चित्रण करते हुए सोचा था कि किसी दिन कला की अभिव्यक्ति के बहुत ही अजीब रूप होंगे।
एनामॉर्फोसिस एक छवि को संप्रेषित करने का एक तरीका है जिसे आम तौर पर केवल एक निश्चित दूरी या एक निश्चित कोण पर देखा जाता है। कुछ मामलों में, आप शिलालेख को केवल दर्पण छवि में पढ़ सकते हैं। एनामॉर्फोसिस का उपयोग करने का पहला प्रयास 15वीं शताब्दी में लियोनार्डो दा विंची द्वारा किया गया था। रोम में सेंट इग्नाटियस के चर्च की तिजोरी पर हैंस होल्बिन जूनियर के "द एंबेसडर" और एंड्रिया पॉज़ो द्वारा अद्भुत भित्तिचित्रों सहित कई प्रयास पुनर्जागरण के समय के हैं।
सदियों से, कागज पर 3डी से सड़क कला तक तकनीकें विकसित हुई हैं जो जमीन में छेद या विभाजन की नकल करती हैं। छपाई में एनामॉर्फोस का उपयोग सबसे सफल तकनीक थी। छात्रों जोसेफ एगन और हंटर थॉम्पसन द्वारा कॉलेज हॉलवे में विकृत ग्रंथों के साथ दीवारों को सजाने के सफल प्रयास का एक उल्लेखनीय उदाहरण है जिसे केवल दाहिने तरफ खड़े होकर पढ़ा जा सकता है। शिकागो के डिजाइनर थॉमस क्विन ने छात्रों को अपने काम से प्रेरित किया, और उन्होंने उन्हें मूर्त रूप देने की कोशिश की।
1960 के दशक की शुरुआत में, फोटोरिअलिस्ट्स ने ऐसी छवियां बनाने की कोशिश की जो वास्तविक तस्वीरों की तरह दिखती थीं। कैमरा सबसे छोटे विवरणों को भी कैप्चर करने में सक्षम है, और फोटोरिअलिस्ट कलाकार "जीवन की छवि की छवि" बनाने में सक्षम है। यह दिशा, जिसमें मूर्तिकला भी शामिल है, को "अति-यथार्थवाद" या "अति-यथार्थवाद" के रूप में जाना जाता है। इसने रोजमर्रा की जिंदगी की ऊर्जा पर ध्यान केंद्रित किया, इसे यथासंभव सटीक रूप से व्यक्त किया।
रिचर्ड ईस्ट्स, ऑड्रे फ्लैक, रॉबर्ट बेच्टल, चक क्लोज़ और मूर्तिकार ड्वेन हैन्सन जैसे फोटो-यथार्थवादियों ने बहुत यथार्थवादी रचनाएँ बनाईं, जिससे दर्शक यह सोचने लगे कि वास्तविक वस्तुएँ नकली हो सकती हैं। आलोचकों को इस प्रवृत्ति में कोई दिलचस्पी नहीं है, क्योंकि वे इसे प्रौद्योगिकी का क्षेत्र मानते हैं, कला का नहीं।
वेड के कार्य प्रदर्शनियों में भाग लेते हैं, विज्ञापन कंपनियां उनकी सेवाओं का उपयोग करती हैं। चूँकि लेखक कांच की सतहों के साथ काम करता है, जिस पर गंदगी की कई परतें होना आवश्यक है, स्थायित्व सुनिश्चित करने के लिए वह अपने काम में तेल और हेयर ड्रायर का उपयोग करता है। जल्द ही कोई भी कार नहीं धो रहा होगा।
कई कलाकार अपना काम बनाने के लिए मानव शरीर द्वारा निर्मित तरल पदार्थ का उपयोग करते हैं। उदाहरण के लिए, ऑस्ट्रेलियाई कलाकार हरमन निट्ज़ जानवरों के मूत्र और रक्त का उपयोग करते हैं। द्वितीय विश्व युद्ध से जुड़े बचपन में अनुभव की गई घटनाओं से प्रेरित उनके कामों के प्लॉट बहुत सारे विवाद और मुकदमेबाजी का कारण बनते हैं।
ब्राजील के एक कलाकार, विनीसियस क्यूसाडा, "ब्लड पिस ब्लूज़" नामक "खूनी" श्रृंखला के लिए जाने जाते हैं। कलाकार केवल अपने रक्त का उपयोग करता है, दाता और पशु रक्त से इनकार करता है। कठोर, वास्तविक वातावरण बनाने के लिए उनका काम पीले, लाल और हरे रंग से भरा हुआ है। सबसे में से एक पर प्रसिद्ध कृतियां"श्री। मंकी” में एक निन्टेंडो गेम कंसोल से बना चश्मा पहने हुए एक बंदर को सिगार पीते हुए दिखाया गया है।
कलाकार चित्रों को चित्रित करने के लिए बहुत ही असामान्य सामग्रियों का उपयोग करते हैं, लेकिन वे यहीं नहीं रुकते हैं और शरीर के विभिन्न हिस्सों के साथ चित्रों को चित्रित करने की तकनीक पर आगे बढ़ते हैं। 65 वर्षीय ऑस्ट्रेलियाई कलाकार टिम "प्रिकासो" पैच, जिन्होंने अपनी मर्दानगी के साथ चित्रों को चित्रित किया, लेकिन सबसे दिलचस्प बात यह है कि कलाकार की लोकप्रियता हाल ही में बढ़ी है।
कोई कम अपमानजनक कलाकार किरा ऐन वारसजेगी ने चित्रों को चित्रित करते समय ब्रश के रूप में अपनी छाती का उपयोग नहीं किया। इस दृष्टिकोण की आलोचना की गई है। हालाँकि, वह पारंपरिक तरीके से उच्च स्तर पर चित्र बना सकती है। एनी के ने अपनी जीभ से चित्रों को चित्रित किया, और एक स्कूल शिक्षक स्टीफन मर्मर ने अपने नितंबों के साथ चित्रों को चित्रित किया, जिसके लिए उन्हें स्कूल से निकाल दिया गया।
जबकि एनामॉर्फिस्ट द्वि-आयामी छवियों की धारणा को त्रि-आयामी के रूप में प्राप्त करने की कोशिश कर रहे हैं, जब एक 3D छवि को द्वि-आयामी के रूप में प्रस्तुत करना चाहते हैं तो एक विपरीत प्रवृत्ति दिखाई दी है। इस क्षेत्र में कलाकार एलेक्सा मीड विशेष रूप से प्रसिद्ध हुई हैं। चित्र में वस्तुओं को निर्जीव दिखने के लिए, कलाकार ऐक्रेलिक पेंट्स का उपयोग करता है। वह 2008 से इस तकनीक पर काम कर रही हैं। पहला काम 2009 में पहले से ही जनता के लिए प्रस्तुत किया गया था। मूल रूप से, मीड के चित्रों में एक कुर्सी पर बैठे एक आदमी को चित्रित दीवार के खिलाफ चित्रित किया गया है। तस्वीर बनाने में कई घंटे लग गए।
इस क्षेत्र के एक अन्य प्रसिद्ध विशेषज्ञ सिंथिया ग्रेग हैं, जो एक कलाकार और फोटोग्राफर हैं, जो डेट्रायट में रहते हैं। अपने चित्रों में, वह साधारण रोजमर्रा की वस्तुओं को चित्रित करती है, सपाटता का भ्रम पैदा करने के लिए उन्हें सफेद पेंट और चारकोल से ढँक देती है।
छाया, एक प्राकृतिक घटना है, और यह कहना मुश्किल है कि लोगों ने कला वस्तुओं को बनाने के लिए इसका इस्तेमाल करने का फैसला किया, लेकिन आधुनिक विशेषज्ञों ने इस क्षेत्र में बहुत कुछ हासिल किया है। उन्होंने वस्तुओं को इस तरह व्यवस्थित किया कि छाया लोगों, स्थानों और शब्दों की छवियों का निर्माण करती थी। उल्लेखनीय पेशेवरों में कुमी यामाशिता और फ्रेड एर्डेकेंस शामिल हैं। परछाइयाँ अक्सर किसी भयावह चीज़ से जुड़ी होती हैं, और टिम नोबल और सू वेबस्टर सहित कई कलाकार अपने काम में डर का भ्रम पैदा करने के लिए उनका उपयोग करते हैं। उनके कार्यों में उल्लेखनीय "डर्टी व्हाइट ट्रैश" स्थापना है, जिसमें उन्होंने धूम्रपान करने वाले और छाया में पीने वाले की छवियों को बनाने के लिए कचरे के ढेर का इस्तेमाल किया। एक अन्य स्थापना में, छाया एक रेवेन की छवि बनाती है, जो कोला में सिर के साथ "लंच" करती है। रशद अलकबरोव चमकीले, रंगीन कांच का उपयोग करता है और खाली दीवारों पर बिल्कुल गैर-उदास छाया चित्र बनाता है।
रिवर्स ग्रैफिटी की तकनीक कारों पर गंदगी पर पेंटिंग की तकनीक के बिल्कुल विपरीत है - इस मामले में, छवि बनाते समय गंदगी को हटाया जाना चाहिए। वाशिंग मशीन की मदद से, कलाकार दीवारों से कार के निकास जमा को धोते हैं, सुंदर चित्र या पैटर्न बनाते हैं। इस दिशा के पूर्वज पॉल कर्टिस "मूस" हैं। इसी तरह का विचार उनके दिमाग में तब आया जब उन्होंने एक रेस्तरां में डिशवॉशर के रूप में काम किया और सिगरेट के धुएं से दीवारों को सूना देखा।
बेन लोग एक ब्रिटिश कलाकार हैं जो कर्टिस की तुलना में भित्तिचित्रों को उलटने के लिए कम तकनीकी दृष्टिकोण अपनाते हैं। कार के विंडशील्ड पर सिर्फ एक उंगली से बनाई गई लॉन्ग की अस्थायी छवियां काफी टिकाऊ होती हैं और 6 महीने तक चल सकती हैं यदि वे बारिश या किसी बीमार व्यक्ति के हस्तक्षेप से धुल न जाएं। हैरानी की बात है कि नए प्रकार के भित्तिचित्रों के प्रति दृष्टिकोण अलग है। कई बार पुलिस ने पॉल कर्टिस को "रेत में एक छड़ी के साथ लिखने" के लिए हिरासत में लिया, जैसा कि कलाकार खुद कहते हैं।
शरीर पर चित्र आज किसी को भी आश्चर्यचकित नहीं करेंगे, और अतीत में भी, चूंकि मय जनजाति, मिस्र, आदि इस कला में पहले थे। आज यह विकास के एक नए चरण का अनुभव कर रहा है। शरीर कला का भ्रम एक 3डी छवि में निहित है जो काफी यथार्थवादी दिखता है - जानवरों की तरह चित्रित लोगों से लेकर बाहों में यथार्थवादी छेद तक।
हिकारू चो एक प्रसिद्ध जापानी बॉडी पेंटर हैं जो एनिमेटेड दृश्यों में माहिर हैं। कलाकार जोहान्स स्टॉटर और ट्रिन मेरी छलावरण की कला के विशेषज्ञ हैं।
1935 में, कलाकार मैन रे की बदौलत यह विधि कला के क्षेत्र में स्थानांतरित हो गई, जिसने कैमरे से रोशनी से घिरे अपने आंदोलन को फिल्माया। सबसे पहले, किसी ने तस्वीरों में प्रकाश के भंवरों को ज्यादा महत्व नहीं दिया, लेकिन 2009 में यह पता चला कि यह कलाकार के हस्ताक्षर की एक दर्पण छवि थी। मेन के अनुयायी, कलाकार ग्योन मिल हेनरी मटिस, बारबरा मॉर्गन, जैक डेलानो और यहां तक कि पाब्लो पिकासो ने हल्के ग्राफिक्स पर अपना हाथ आजमाया। समकालीन कलाकारों माइकल बोसान्को, ट्रेवर विलियम्स और जाना लियोनार्डो ने भी विज्ञान के साथ घनिष्ठ रूप से जुड़े हुए को गले लगा लिया है।
सबसे सरल अर्थ में, कला किसी व्यक्ति की किसी सुंदर चीज़ को वास्तविकता में अनुवाद करने और ऐसी वस्तुओं से सौंदर्य आनंद प्राप्त करने की क्षमता है। यह जानने के तरीकों में से एक भी हो सकता है, जिसे महारत कहा जाता है, लेकिन एक बात निश्चित है: कला के बिना, हमारी दुनिया नीरस, उबाऊ और बिल्कुल रोमांचक नहीं होगी।
व्यापक अर्थ में, कला एक प्रकार का कौशल है, जिसके उत्पाद सौन्दर्यात्मक आनंद लाते हैं। एनसाइक्लोपीडिया ब्रिटानिका में प्रविष्टियों के अनुसार, कला का मुख्य मानदंड अन्य लोगों से प्रतिक्रिया उत्पन्न करने की क्षमता है। बदले में, महान सोवियत विश्वकोश कहता है कि कला सामाजिक चेतना के रूपों में से एक है, जो मानव संस्कृति का मुख्य घटक है।
कोई चाहे कुछ भी कहे, लेकिन "कला" शब्द के इर्द-गिर्द बहस बहुत लंबे समय से चली आ रही है। उदाहरण के लिए, रूमानियत के युग में, कला को मानव मन की एक विशेषता माना जाता था। अर्थात वे इस शब्द को धर्म और विज्ञान की तरह ही समझते थे।
सबसे पहले और सबसे सामान्य अर्थों में, कला की अवधारणा को "शिल्प" या "रचना" (यह सृजन भी है) के रूप में परिभाषित किया गया था। सीधे शब्दों में कहें, कला को वह सब कुछ कहा जा सकता है जो एक व्यक्ति द्वारा एक निश्चित रचना का आविष्कार करने और समझने की प्रक्रिया में बनाया गया था।
19वीं शताब्दी तक, कला एक कलाकार या गायक की अपनी प्रतिभा को व्यक्त करने, दर्शकों को मोहित करने और उन्हें महसूस कराने की क्षमता को दिया जाने वाला नाम था।
"कला" की अवधारणा का सबसे अधिक उपयोग किया जा सकता है अलग - अलग क्षेत्रमानवीय गतिविधि:
सारांशित करते हुए, हम निम्नलिखित कह सकते हैं: कला जीवन के आध्यात्मिक क्षेत्र का एक प्रकार का उपतंत्र है, जो कलात्मक छवियों में वास्तविकता का एक रचनात्मक पुनरुत्पादन है। यह एक अनूठा कौशल है जो जनता से प्रशंसा का कारण बन सकता है।
विश्व संस्कृति में प्राचीन काल से ही कला की बात की जाती रही है। आदिम कला (अर्थात्, ललित कला, यह एक रॉक ड्राइंग भी है) मध्य पुरापाषाण युग में मनुष्य के साथ दिखाई दी। पहली वस्तुएं जिन्हें कला के साथ पहचाना जा सकता है, वे अपर पैलियोलिथिक में दिखाई दीं। कला के सबसे पुराने कार्य, जैसे शैल हार, 75,000 ईसा पूर्व के हैं।
पाषाण युग में आदिम रीति-रिवाजों, संगीत, नृत्य और सजावट को कला कहा जाता था। सामान्य तौर पर, आधुनिक कला की उत्पत्ति प्राचीन रीति-रिवाजों, परंपराओं, खेलों से हुई है, जो पौराणिक और जादुई विचारों और विश्वासों से वातानुकूलित थे।
विश्व कला में, इसके विकास के कई युगों को अलग करने की प्रथा है। उनमें से प्रत्येक ने अपने पूर्वजों से कुछ ग्रहण किया, अपना कुछ जोड़ा और अपने वंशजों के लिए छोड़ दिया। सदी से सदी तक, कला ने एक तेजी से जटिल रूप प्राप्त किया।
आदिम समाज की कला में संगीत, गीत, अनुष्ठान, नृत्य और चित्र शामिल थे जो जानवरों की खाल, पृथ्वी और अन्य प्राकृतिक वस्तुओं पर लागू होते थे। पुरातनता की दुनिया में, कला ने अधिक जटिल रूप धारण कर लिया। यह मिस्र, मेसोपोटामिया, फारसी, भारतीय, चीनी और अन्य सभ्यताओं में विकसित हुआ। इनमें से प्रत्येक केंद्र ने कला की अपनी अनूठी शैली को जन्म दिया, जो एक सहस्राब्दी से अधिक समय तक चली और आज भी संस्कृति पर प्रभाव डालती है। वैसे, प्राचीन यूनानी कलाकारों को मानव शरीर का चित्रण करने में सर्वश्रेष्ठ (आधुनिक स्वामी से भी बेहतर) माना जाता था। केवल वे मांसपेशियों, मुद्रा को पूरी तरह से चित्रित करने, सही अनुपात चुनने और प्रकृति की प्राकृतिक सुंदरता को व्यक्त करने के लिए कुछ अविश्वसनीय तरीके से कामयाब रहे।
मध्य युग के दौरान, कला के विकास पर धर्मों का महत्वपूर्ण प्रभाव था। यह यूरोप के लिए विशेष रूप से सच है। गॉथिक और बीजान्टिन कलाआध्यात्मिक सत्य और बाइबिल की कहानियों पर आधारित। उस समय, पूर्व में और इस्लाम के देशों में, यह माना जाता था कि किसी व्यक्ति का चित्र बनाना एक मूर्ति के निर्माण से ज्यादा कुछ नहीं था, जिस पर प्रतिबंध लगा दिया गया था। इसलिए दृश्य कलाओं में स्थापत्य, अलंकार तो मौजूद थे, लेकिन व्यक्ति नहीं था। विकसित सुलेख और गहने। भारत और तिब्बत में, धार्मिक नृत्य मुख्य कला थी, जिसके बाद मूर्तिकला थी।
चीन में अनेक प्रकार की कलाएँ फली-फूलीं, वे किसी भी धर्म से प्रभावित और दबाव में नहीं थीं। प्रत्येक युग के अपने स्वामी थे, उनमें से प्रत्येक की अपनी शैली थी, जिसे उन्होंने सिद्ध किया। इसलिए, कला के प्रत्येक कार्य में उस युग का नाम होता है जिसमें इसे बनाया गया था। उदाहरण के लिए, एक मिंग युग फूलदान या तांग युग की पेंटिंग। जापान में भी चीन जैसी ही स्थिति है। इन देशों में संस्कृति और कला का विकास काफी मौलिक था।
पुनर्जागरण के दौरान, कला फिर से भौतिक मूल्यों और मानवतावाद की ओर लौटती है। मानव आकृतियाँ अपनी खोई हुई भौतिकता को प्राप्त कर लेती हैं, परिप्रेक्ष्य अंतरिक्ष में प्रकट होता है, और कलाकार भौतिक और तर्कसंगत निश्चितता को प्रतिबिंबित करने का प्रयास करते हैं।
स्वच्छंदतावाद के युग में, कला में भावनाएँ दिखाई देती हैं। स्वामी मानव व्यक्तित्व और अनुभवों की गहराई दिखाने की कोशिश करते हैं। कई कलात्मक शैलियाँ दिखाई देने लगती हैं, जैसे कि अकादमिकता, प्रतीकवाद, फ़ौविज़्म, आदि। सच है, उनकी सदी छोटी थी, और पूर्व दिशाएँ, अनुभव किए गए युद्धों की भयावहता से प्रेरित थीं, कहा जा सकता है कि वे राख से पुनर्जन्म लेती हैं।
20वीं शताब्दी में, स्वामी नई दृश्य संभावनाओं और सुंदरता के मानकों की तलाश कर रहे थे। लगातार बढ़ते वैश्वीकरण के कारण, संस्कृतियों ने एक-दूसरे को प्रभावित करना और एक-दूसरे को प्रभावित करना शुरू कर दिया। उदाहरण के लिए, प्रभाववादी जापानी उत्कीर्णन से प्रेरित थे, पिकासो का काम भारत की ललित कलाओं से काफी प्रभावित था। 20वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, कला के विभिन्न क्षेत्रों का विकास आधुनिकतावाद से प्रभावित था, जिसमें सत्य और कठोर मानदंडों के लिए इसकी कठोर आदर्शवादी खोज थी। आधुनिक कला का दौर आया जब यह निर्णय लिया गया कि मूल्य सापेक्ष हैं।
हर समय, कला इतिहास और सांस्कृतिक अध्ययन के सिद्धांतकारों ने कहा है कि कला, किसी भी अन्य सामाजिक घटना की तरह, विभिन्न कार्यों और गुणों की विशेषता है। कला के सभी कार्यों को सशर्त रूप से प्रेरित और असम्बद्ध में विभाजित किया गया है।
असम्बद्ध कार्य ऐसे गुण हैं जो मानव स्वभाव का अभिन्न अंग हैं। सीधे शब्दों में कहें तो कला एक ऐसी चीज है जो एक व्यक्ति को वृत्ति की ओर धकेलती है और जो व्यावहारिक और उपयोगी से परे जाती है। इन कार्यों में शामिल हैं:
कला के प्रेरित कार्य वे लक्ष्य हैं जो कला का काम शुरू करते समय रचनाकार सचेत रूप से अपने लिए निर्धारित करता है।
इस मामले में, कला हो सकती है:
जैसा कि कार्यों से देखा जा सकता है, कला समाज के जीवन में महत्वपूर्ण भूमिका निभाती है, मानव जीवन के सभी क्षेत्रों को प्रभावित करती है।
प्रारंभ में, कला को अविभाजित माना जाता था, अर्थात रचनात्मक गतिविधि का सामान्य परिसर। आदिम मानव के लिए रंगमंच, संगीत या साहित्य जैसी कला के अलग-अलग उदाहरण नहीं थे। सब कुछ एक में विलीन हो गया। कुछ समय बाद ही विभिन्न प्रकार की कलाएँ प्रकट होने लगीं। यह दुनिया के कलात्मक प्रतिबिंब के ऐतिहासिक रूप से स्थापित रूपों का नाम है, जिनका उपयोग विभिन्न साधनों को बनाने के लिए किया जाता है।
उपयोग किए गए साधनों के आधार पर, कला के निम्नलिखित रूप प्रतिष्ठित हैं:
सूचीबद्ध रूपों में, कला की ऐसी विधाओं को भी जोड़ा जा सकता है जैसे विविध कला, ग्राफिक्स, रेडियो, आदि।
यह अजीब है, लेकिन किसी कारण से यह माना जाता है कि कला केवल आबादी के ऊपरी तबके, तथाकथित अभिजात वर्ग के लिए अभिप्रेत है। अन्य लोगों के लिए, यह अवधारणा कथित रूप से विदेशी है।
कला की पहचान आमतौर पर धन, प्रभाव और शक्ति से की जाती है। आखिरकार, यह वे लोग हैं जो सुंदर, अशोभनीय रूप से महंगी और बेतुकी बेकार चीजें खरीद सकते हैं। उदाहरण के लिए, हर्मिटेज या वर्साय के पैलेस को लें, जिसमें अतीत के राजाओं के समृद्ध संग्रह संरक्षित थे। आज, सरकारें, कुछ निजी संगठन और बहुत धनी लोग इस तरह के संग्रह को वहन कर सकते हैं।
कभी-कभी किसी को यह आभास हो जाता है कि किसी व्यक्ति के जीवन में कला की मुख्य भूमिका दूसरों को सामाजिक स्थिति दिखाना है। कई संस्कृतियों में, महंगी और सुरुचिपूर्ण चीजें समाज में व्यक्ति की स्थिति दर्शाती हैं। दूसरी ओर, दो शताब्दी पहले प्रयास किए गए थे उच्च कलाआम जनता के लिए अधिक सुलभ। उदाहरण के लिए, 1793 में लौवर को सभी के लिए खोल दिया गया था (तब तक यह फ्रांसीसी राजाओं की संपत्ति थी)। समय के साथ, इस विचार को रूस में उठाया गया ( त्रेताकोव गैलरी), संयुक्त राज्य अमेरिका (महानगरीय संग्रहालय) और अन्य यूरोपीय देशों। फिर भी, जिन लोगों के पास अपना स्वयं का कला संग्रह है, उन्हें हमेशा अधिक प्रभावशाली माना जाएगा।
आज की दुनिया में कला के विभिन्न प्रकार के कार्य हैं। वे विभिन्न प्रकार, रूप, सृजन के साधन प्राप्त करते हैं। केवल एक चीज जो अपरिवर्तित बनी हुई है वह लोक कला है, अपने आदिम रूप में।
आज, एक साधारण विचार भी कला माना जाता है। यह विचारों, जनमत और आलोचनात्मक प्रतिक्रिया के लिए धन्यवाद है जो ब्लैक स्क्वायर, प्राकृतिक फर से ढके चाय के सेट, या राइन नदी की तस्वीर के रूप में काम करता है, जो $ 4 मिलियन में बेचा जाता है, स्थायी सफलता का आनंद लेता है। इन्हें और इसी तरह की वस्तुओं को वास्तविक कला कहना मुश्किल है।
तो सच्ची कला क्या है? मोटे तौर पर, ये ऐसे काम हैं जो आपको सोचने पर मजबूर करते हैं, सवाल पूछते हैं, जवाब तलाशते हैं। वास्तविक कला आकर्षित करती है, मैं इस वस्तु को किसी भी कीमत पर प्राप्त करना चाहता हूं। साहित्य में भी, रूसी क्लासिक्स ने इस आकर्षक बल के बारे में लिखा। तो, गोगोल की कहानी "पोर्ट्रेट" में मुख्य चरित्रएक चित्र प्राप्त करने पर अपनी अंतिम बचत खर्च करता है।
वास्तविक कला हमेशा एक व्यक्ति को दयालु, मजबूत और समझदार बनाती है। अमूल्य ज्ञान और अनुभव को धारण करना जो कई पीढ़ियों से एकत्र किया गया है और अब स्वीकार्य रूप में उपलब्ध है, एक व्यक्ति के पास विकास और सुधार करने का अवसर है।
असली कला हमेशा दिल से की जाती है। इससे कोई फर्क नहीं पड़ता कि यह क्या होगा - एक किताब, एक चित्र, संगीत, एक नाटक। दर्शक महसूस करेंगे। यह महसूस करना सुनिश्चित करें कि निर्माता क्या संदेश देना चाहता था। उसकी भावनाओं को महसूस करें, उसके विचारों को समझें, जवाबों की तलाश में उसके साथ चलें। वास्तविक कला एक लेखक और एक व्यक्ति के बीच एक अश्रव्य वार्तालाप है, जिसके बाद श्रोता/पाठक/दर्शक फिर कभी पहले जैसे नहीं रहेंगे। असली कला यही है। भावनाओं का एक वास्तविक केंद्रित गुच्छा। जैसा कि पुश्किन ने लिखा है, उसे लोगों के दिलों को जलाना चाहिए, और इससे कोई फर्क नहीं पड़ता - क्रिया, ब्रश या संगीत के उपकरण. इस तरह की कला को लोगों की सेवा करनी चाहिए और उन्हें बदलने के लिए प्रेरित करना चाहिए, जब वे उदास हों तो मनोरंजन करें और आशा को प्रेरित करें, खासकर जब ऐसा लगता है कि कोई रास्ता नहीं है। यह एक ही रास्ता है, यह कोई और तरीका नहीं हो सकता।
आज कई अजीब, कभी-कभी हास्यास्पद वस्तुएं भी हैं जिन्हें कला का काम कहा जाता है। लेकिन अगर वे "जल्दी से हुक" करने में सक्षम नहीं हैं, तो वे कला को प्राथमिकता से संबंधित नहीं कर सकते।
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परिचय
आधुनिक शिक्षा प्रणाली का सामना करने वाले हमारे समाज के मुख्य कार्यों में से एक व्यक्तित्व की संस्कृति का निर्माण है। इस कार्य की प्रासंगिकता जीवन प्रणाली और कलात्मक और सौंदर्य मूल्यों के संशोधन से जुड़ी है। अपने अस्तित्व के दौरान समाज द्वारा संचित कलात्मक मूल्यों का उल्लेख किए बिना युवा पीढ़ी की संस्कृति का निर्माण असंभव है। इस प्रकार, कला इतिहास की नींव का अध्ययन करने की आवश्यकता स्पष्ट हो जाती है।
एक निश्चित युग की कला को पूरी तरह से समझने के लिए, कला इतिहास की शब्दावली में नेविगेट करना आवश्यक है। प्रत्येक कला के सार को जानें और समझें। केवल एक श्रेणीबद्ध-वैचारिक प्रणाली के कब्जे के मामले में, एक व्यक्ति कला स्मारकों के सौंदर्य मूल्य को पूरी तरह से महसूस करने में सक्षम होगा।
कला का वर्गीकरण
कला (रचनात्मक प्रतिबिंब, कलात्मक छवियों में वास्तविकता का पुनरुत्पादन।) परस्पर संबंधित प्रकारों की एक प्रणाली के रूप में मौजूद और विकसित होती है, जिसकी विविधता स्वयं की बहुमुखी प्रतिभा (वास्तविक दुनिया, कलात्मक निर्माण की प्रक्रिया में प्रदर्शित) के कारण होती है।
कला के रूप रचनात्मक गतिविधि के ऐतिहासिक रूप से स्थापित रूप हैं जिनमें जीवन की सामग्री को कलात्मक रूप से महसूस करने की क्षमता है और इसके भौतिक अवतार (साहित्य में शब्द, संगीत में ध्वनि, ललित कला में प्लास्टिक और रंग सामग्री, आदि) के तरीकों में भिन्नता है।
आधुनिक कला इतिहास साहित्य में, कलाओं के वर्गीकरण की एक निश्चित योजना और प्रणाली विकसित हुई है, हालांकि अभी भी एक नहीं है और वे सभी रिश्तेदार हैं। सबसे आम योजना इसका विभाजन तीन समूहों में है।
पहले में स्थानिक या प्लास्टिक कला शामिल है। कला के इस समूह के लिए, कलात्मक छवि को प्रकट करने के लिए स्थानिक निर्माण आवश्यक है - ललित कला, सजावटी और अनुप्रयुक्त कला, वास्तुकला, फोटोग्राफी।
दूसरे समूह में अस्थायी या गतिशील कलाएँ शामिल हैं। उनमें समय के साथ प्रकट होने वाली रचना - संगीत, साहित्य - प्रमुख महत्व प्राप्त करती है।
तीसरा समूह स्थान-अस्थायी प्रकार है, जिन्हें सिंथेटिक या शानदार कलाएँ भी कहा जाता है - नृत्यकला, साहित्य, रंगमंच कला, छायांकन।
विभिन्न प्रकार की कलाओं का अस्तित्व इस तथ्य के कारण है कि उनमें से कोई भी, अपने स्वयं के माध्यम से, दुनिया की कलात्मक व्यापक तस्वीर नहीं दे सकती है। इस तरह की तस्वीर केवल मानव जाति की संपूर्ण कलात्मक संस्कृति द्वारा ही बनाई जा सकती है, जिसमें व्यक्तिगत प्रकार की कलाएँ शामिल हैं।
कला के लक्षण
वास्तुकला
आर्किटेक्चर (ग्रीक "आर्किटेक्टन" - "मास्टर, बिल्डर") एक स्मारकीय कला रूप है, जिसका उद्देश्य लोगों की उपयोगितावादी और आध्यात्मिक आवश्यकताओं का जवाब देते हुए मानव जाति के जीवन और गतिविधियों के लिए आवश्यक संरचनाओं और इमारतों का निर्माण करना है।
स्थापत्य संरचनाओं के रूप भौगोलिक और जलवायु परिस्थितियों, परिदृश्य की प्रकृति, सूर्य के प्रकाश की तीव्रता, भूकंपीय सुरक्षा आदि पर निर्भर करते हैं।
प्रौद्योगिकी के विकास के साथ, उत्पादक शक्तियों के विकास के साथ वास्तुकला अन्य कलाओं की तुलना में अधिक निकटता से जुड़ी हुई है। वास्तुकला स्मारकीय चित्रकला, मूर्तिकला, सजावटी और अन्य कलाओं के साथ संयोजन करने में सक्षम है। स्थापत्य रचना का आधार त्रि-आयामी संरचना है, एक इमारत के तत्वों का जैविक अंतर्संबंध या इमारतों का एक समूह। संरचना का पैमाना बड़े पैमाने पर कलात्मक छवि की प्रकृति, इसकी स्मारकीयता या अंतरंगता को निर्धारित करता है।
आर्किटेक्चर सीधे वास्तविकता को पुन: उत्पन्न नहीं करता है; यह सचित्र नहीं है, बल्कि अभिव्यंजक है।
कला
ललित कला एक प्रकार की कलात्मक रचनात्मकता का समूह है जो दृष्टिगत रूप से कथित वास्तविकता को पुन: उत्पन्न करती है। कला के कार्यों का एक वस्तुनिष्ठ रूप होता है जो समय और स्थान में नहीं बदलता है। ललित कलाओं में शामिल हैं: पेंटिंग, ग्राफिक्स, मूर्तिकला।
ललित कलाएं
ग्राफिक्स (ग्रीक से अनुवादित - "मैं लिखता हूं, खींचता हूं"), सबसे पहले, ड्राइंग और कलात्मक मुद्रित कार्य (उत्कीर्णन, लिथोग्राफी)। यह शीट की सतह पर लागू विभिन्न रंगों की रेखाओं, स्ट्रोक और धब्बों का उपयोग करके एक अभिव्यंजक कला बनाने की संभावनाओं पर आधारित है।
ग्राफिक्स पेंटिंग से पहले। सबसे पहले, एक व्यक्ति ने वस्तुओं की रूपरेखा और प्लास्टिक के रूपों को पकड़ना सीखा, फिर उनके रंगों और रंगों को अलग करना और पुन: उत्पन्न करना। रंगों पर महारत हासिल करना एक ऐतिहासिक प्रक्रिया थी: सभी रंग एक साथ नहीं सीखे जाते थे।
ग्राफिक्स की बारीकियां रैखिक संबंध हैं। वस्तुओं के रूपों को पुन: प्रस्तुत करके, यह उनकी रोशनी, प्रकाश और छाया के अनुपात आदि को व्यक्त करता है। पेंटिंग दुनिया के रंगों के वास्तविक अनुपात को पकड़ती है, रंग में और रंग के माध्यम से यह वस्तुओं के सार को व्यक्त करती है, उनके सौंदर्य मूल्य, अंशांकन करती है उनका सामाजिक उद्देश्य, उनका पत्राचार या पर्यावरण के प्रति विरोधाभास।
ऐतिहासिक विकास की प्रक्रिया में, रंग ड्राइंग और मुद्रित ग्राफिक्स में घुसने लगे, और अब रंगीन क्रेयॉन के साथ ड्राइंग - पेस्टल, और रंग उत्कीर्णन, और पानी के रंगों के साथ पेंटिंग - वॉटरकलर और गौचे पहले से ही ग्राफिक्स में शामिल हैं। कला के इतिहास पर विभिन्न साहित्य में, ग्राफिक्स के बारे में अलग-अलग दृष्टिकोण हैं। कुछ स्रोतों में, ग्राफिक्स एक प्रकार की पेंटिंग है, जबकि अन्य में यह ललित कला की एक अलग उप-प्रजाति है।
चित्रकारी
पेंटिंग एक सपाट दृश्य कला है, जिसकी विशिष्टता कलाकार की रचनात्मक कल्पना द्वारा रूपांतरित वास्तविक दुनिया की छवि की सतह पर लागू पेंट की मदद से प्रतिनिधित्व में निहित है।
पेंटिंग में बांटा गया है:
स्मारकीय - फ्रेस्को (इतालवी फ्रेस्को से) - पानी और मोज़ेक (फ्रेंच मोज़ेक से) में पेंट के साथ गीले प्लास्टर पर पेंटिंग, रंगीन पत्थरों की एक छवि, स्माल्ट (स्माल्ट - रंगीन पारदर्शी ग्लास।), सिरेमिक टाइलें।
चित्रफलक ("मशीन" शब्द से) - एक कैनवास जो एक चित्रफलक पर बनाया गया है।
पेंटिंग को विभिन्न प्रकार की शैलियों द्वारा दर्शाया गया है (शैली (फ्रेंच शैली, लैटिन जीनस से, जेनेटिक जेनरिस - जीनस, प्रजाति) सभी प्रकार की कलाओं में एक कलात्मक, ऐतिहासिक रूप से स्थापित आंतरिक विभाजन है।)
किसी व्यक्ति की बाहरी उपस्थिति के विचार को व्यक्त करने, किसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया को प्रकट करने, उसकी व्यक्तित्व, मनोवैज्ञानिक और भावनात्मक छवि पर जोर देने के लिए चित्र मुख्य कार्य है।
लैंडस्केप - आसपास की दुनिया को उसके सभी रूपों में पुन: पेश करता है। सीस्केप की छवि को मारिनिज़्म शब्द द्वारा परिभाषित किया गया है।
फिर भी जीवन - घरेलू सामान, उपकरण, फूल, फल की छवि। विश्वदृष्टि और एक निश्चित युग के तरीके को समझने में मदद करता है।
ऐतिहासिक शैली - समाज के जीवन में ऐतिहासिक रूप से महत्वपूर्ण क्षणों के बारे में बताती है।
घरेलू शैली - एक विशेष जातीय समूह के लोगों के दैनिक जीवन, स्वभाव, रीति-रिवाजों, परंपराओं को दर्शाता है।
आइकन पेंटिंग (ग्रीक से "प्रार्थना छवि" के रूप में अनुवादित) एक व्यक्ति को परिवर्तन के मार्ग पर निर्देशित करने का मुख्य लक्ष्य है।
पशुवाद कला के काम के नायक के रूप में एक जानवर का चित्रण है।
XX सदी में। तकनीकी प्रगति (फोटो और वीडियो उपकरण की उपस्थिति) के प्रभाव में पेंटिंग की प्रकृति बदल रही है, जो कला के नए रूपों - मल्टीमीडिया कला के उद्भव की ओर ले जाती है।
मूर्ति
मूर्तिकला एक स्थानिक और दृश्य कला है जो प्लास्टिक की छवियों में दुनिया की पड़ताल करती है।
मूर्तिकला में प्रयुक्त मुख्य सामग्री पत्थर, कांस्य, संगमरमर, लकड़ी हैं। समाज के विकास के वर्तमान चरण में, तकनीकी प्रगति, मूर्तियां बनाने के लिए उपयोग की जाने वाली सामग्रियों की संख्या का विस्तार हुआ है: स्टील, प्लास्टिक, कंक्रीट और अन्य।
मूर्तिकला के दो मुख्य प्रकार हैं: वॉल्यूमेट्रिक त्रि-आयामी (गोलाकार) और राहत:
उच्च राहत - उच्च राहत,
बेस-रिलीफ - कम रिलीफ,
प्रति-राहत - मोर्टिज़ राहत।
परिभाषा के अनुसार, मूर्तिकला स्मारकीय, सजावटी, चित्रफलक है।
स्मारक - शहर की सड़कों और चौकों को सजाने के लिए, ऐतिहासिक रूप से महत्वपूर्ण स्थानों, घटनाओं आदि को नामित करने के लिए उपयोग किया जाता है। स्मारक मूर्तिकला में शामिल हैं:
स्मारक,
स्मारक,
स्मारक।
चित्रफलक - निकट दूरी से निरीक्षण के लिए डिज़ाइन किया गया है और इसे इंटीरियर को सजाने के लिए डिज़ाइन किया गया है।
सजावटी - रोजमर्रा की जिंदगी (छोटी प्लास्टिक की वस्तुओं) को सजाने के लिए इस्तेमाल किया जाता है।
सजावटी और लागू कला।
सजावटी और अनुप्रयुक्त कला लोगों की उपयोगितावादी और कलात्मक और सौंदर्य संबंधी जरूरतों को पूरा करने के लिए डिज़ाइन की गई घरेलू वस्तुओं के निर्माण में एक प्रकार की रचनात्मक गतिविधि है।
सजावटी और अनुप्रयुक्त कलाओं में विभिन्न सामग्रियों से बने उत्पाद और विभिन्न तकनीकों का उपयोग करना शामिल है। डीपीआई के विषय के लिए सामग्री धातु, लकड़ी, मिट्टी, पत्थर, हड्डी हो सकती है। उत्पादों के निर्माण की तकनीकी और कलात्मक विधियाँ बहुत विविध हैं: नक्काशी, कढ़ाई, पेंटिंग, पीछा करना, आदि। डीपीआई वस्तु की मुख्य विशेषता सजावट है, जिसमें कल्पना और सजाने की इच्छा शामिल है, इसे बेहतर और अधिक सुंदर बनाएं।
सजावटी और अनुप्रयुक्त कला का एक राष्ट्रीय चरित्र है। चूंकि यह एक निश्चित जातीय समूह के रीति-रिवाजों, आदतों, विश्वासों से आता है, यह जीवन के रास्ते के करीब है।
सजावटी और अनुप्रयुक्त कलाओं का एक महत्वपूर्ण घटक लोक कला शिल्प है - सामूहिक रचनात्मकता के आधार पर कलात्मक कार्य के आयोजन का एक रूप, एक स्थानीय सांस्कृतिक परंपरा विकसित करना और हस्तशिल्प की बिक्री पर ध्यान केंद्रित करना।
पारंपरिक शिल्प का प्रमुख रचनात्मक विचार प्राकृतिक और मानवीय दुनिया की एकता का दावा है।
रूस के मुख्य लोक शिल्प हैं:
वुडकार्विंग - बोगोरोडस्काया, अब्रामत्सेवो-कुद्रिंस्काया;
लकड़ी पर चित्रकारी - खोखलोमा, गोरोडेत्सकाया, पोल्खोव-मैदांस्काया, मेजेंस्काया;
बर्च की छाल से उत्पादों की सजावट - बर्च की छाल, पेंटिंग पर एम्बॉसिंग;
पत्थर का कलात्मक प्रसंस्करण - कठोर और मुलायम पत्थर का प्रसंस्करण;
हड्डी की नक्काशी - Kholmogory, Tobolsk। खोतकोवस्काया
पपीयर-मचे पर मिनिएचर पेंटिंग - फेडोस्किनो मिनिएचर, पेलख मिनिएचर, मास्टर्सकाया मिनिएचर, खोलुय मिनिएचर
धातु का कलात्मक प्रसंस्करण - वेलिकि उस्तयुग काली चांदी, रोस्तोव तामचीनी, धातु पर ज़ोस्तोवो पेंटिंग;
लोक मिट्टी के पात्र - गज़ल सिरेमिक, स्कोपिंस्की सिरेमिक, डाइम्कोवो खिलौना, कारगोपोल खिलौना;
फीता बनाना - वोलोग्दा फीता, मिखाइलोव्स्की फीता,
कपड़े पर पेंटिंग - पावलोवस्की शॉल और शॉल
कढ़ाई - व्लादिमीरस्काया, रंगीन जिल्द, सोने की कढ़ाई।
साहित्य
साहित्य एक प्रकार की कला है जिसमें कल्पना का भौतिक वाहक शब्द है।
साहित्य के दायरे में प्राकृतिक और सामाजिक घटनाएँ, विभिन्न सामाजिक प्रलय, व्यक्ति का आध्यात्मिक जीवन, उसकी भावनाएँ शामिल हैं। अपनी विभिन्न विधाओं में, साहित्य इस सामग्री को या तो किसी क्रिया के नाटकीय पुनरुत्पादन के माध्यम से, या घटनाओं के महाकाव्य वर्णन के माध्यम से, या किसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया के गीतात्मक आत्म-प्रकटीकरण के माध्यम से ग्रहण करता है।
साहित्य में बांटा गया है:
कलात्मक
शिक्षात्मक
ऐतिहासिक
वैज्ञानिक
संदर्भ
साहित्य की प्रमुख विधाएं हैं:
- बोल- कथा की तीन मुख्य विधाओं में से एक, विभिन्न प्रकार के मानवीय अनुभवों को चित्रित करके जीवन को दर्शाती है, गीत की एक विशेषता एक काव्यात्मक रूप है।
- नाटक- कथा साहित्य की तीन मुख्य विधाओं में से एक, बोलचाल के रूप में और लेखक के भाषण के बिना लिखा गया एक कथानक।
- महाकाव्य- कथा साहित्य, कथा साहित्य की तीन मुख्य विधाओं में से एक, इसमें शामिल हैं:
- महाकाव्य- महाकाव्य शैली का एक प्रमुख कार्य।
- उपन्यास- कथा गद्य (बहुत कम अक्सर - काव्यात्मक) साहित्य की शैली, एक छोटे कथा रूप का प्रतिनिधित्व करती है।
- कहानी(कहानी) - एक साहित्यिक शैली जो कम महत्वपूर्ण मात्रा, कम आंकड़े, जीवन सामग्री और चौड़ाई से प्रतिष्ठित है
- कहानी- छोटे आकार का एक महाकाव्य कार्य, जो रचना की अधिक व्यापकता और मनमानी में लघुकथा से भिन्न होता है।
- उपन्यास- गद्य में एक बड़ा आख्यान, कभी-कभी पद्य में।
- गाथागीत- छंदों में लिखा गया एक गेय-महाकाव्य काव्यात्मक कथानक।
- कविता- पद्य में गेय-महाकाव्य प्रकृति का एक कथानक साहित्यिक कार्य।
साहित्य की विशिष्टता एक ऐतिहासिक घटना है, साहित्यिक कार्य के सभी तत्व और घटक भाग और साहित्यिक प्रक्रिया, साहित्य की सभी विशेषताएं निरंतर परिवर्तन में हैं। साहित्य एक जीवित, मोबाइल वैचारिक और कलात्मक प्रणाली है जो जीवन में परिवर्तन के प्रति संवेदनशील है। साहित्य की पूर्ववर्ती मौखिक लोक कला है।
संगीत कला
संगीत - (ग्रीक संगीत से - जलाया। - कस्तूरी की कला), एक प्रकार की कला जिसमें एक निश्चित तरीके से आयोजित संगीत ध्वनियाँ कलात्मक छवियों को मूर्त रूप देने के साधन के रूप में काम करती हैं। संगीत के मुख्य तत्व और अभिव्यंजक साधन मोड, लय, मीटर, टेम्पो, लाउड डायनेमिक्स, टिम्ब्रे, मेलोडी, हार्मोनी, पॉलीफोनी, इंस्ट्रूमेंटेशन हैं। संगीत को संगीत संकेतन में रिकॉर्ड किया जाता है और प्रदर्शन की प्रक्रिया में महसूस किया जाता है।
संगीत का धर्मनिरपेक्ष और आध्यात्मिक में विभाजन स्वीकार किया जाता है। पवित्र संगीत का प्रमुख क्षेत्र पंथ है। संगीत संकेतन और संगीत शिक्षाशास्त्र के यूरोपीय संगीत सिद्धांत का विकास यूरोपीय पंथ संगीत (आमतौर पर चर्च संगीत कहा जाता है) से जुड़ा है। प्रदर्शन के माध्यम से, संगीत को स्वर (गायन), वाद्य और स्वर-वाद्य में विभाजित किया जाता है। संगीत को अक्सर नृत्यकला, नाट्य कला और सिनेमा के साथ जोड़ा जाता है। भेद संगीत मोनोफोनिक (मोनोडी) और पॉलीफोनिक (होमोफोनी, पॉलीफोनी)। संगीत में बांटा गया है:
पीढ़ी और प्रकार के लिए - नाट्य (ओपेरा, आदि), सिम्फोनिक, कक्ष, आदि;
शैलियाँ - गीत, कोरल, नृत्य, मार्च, सिम्फनी, सूट, सोनाटा, आदि।
संगीत कार्यों की विशेषता कुछ, अपेक्षाकृत स्थिर विशिष्ट संरचनाओं से होती है। संगीत वास्तविकता और मानवीय भावनाओं, ध्वनि छवियों को मूर्त रूप देने के साधन के रूप में उपयोग करता है।
ध्वनि छवियों में संगीत आम तौर पर जीवन की आवश्यक प्रक्रियाओं को अभिव्यक्त करता है। एक भावनात्मक अनुभव और भावना से रंगा हुआ एक विचार, एक विशेष प्रकार की ध्वनियों के माध्यम से व्यक्त किया जाता है, जो मानव भाषण के स्वरों पर आधारित होते हैं - यह एक संगीत छवि की प्रकृति है।
नृत्यकला
कोरियोग्राफी (जीआर। कोरिया - नृत्य + ग्राफो - लेखन) एक प्रकार की कला है, जिसकी सामग्री मानव शरीर के आंदोलनों और मुद्राएं हैं, काव्यात्मक रूप से सार्थक, समय और स्थान में व्यवस्थित, एक कलात्मक प्रणाली का निर्माण करती है।
नृत्य संगीत के साथ परस्पर क्रिया करता है, साथ में यह एक संगीतमय और कोरियोग्राफिक छवि बनाता है। इस संघ में, प्रत्येक घटक दूसरे पर निर्भर करता है: संगीत नृत्य के लिए अपने स्वयं के नियमों को निर्धारित करता है और साथ ही साथ नृत्य से प्रभावित होता है। कुछ मामलों में, नृत्य संगीत के बिना किया जा सकता है - ताली बजाने के साथ, ऊँची एड़ी के जूते आदि के साथ।
नृत्य के मूल थे: श्रम प्रक्रियाओं की नकल; अनुष्ठान समारोह और समारोह, जिसके प्लास्टिक पक्ष में एक निश्चित विनियमन और शब्दार्थ था; किसी व्यक्ति की भावनात्मक स्थिति की पराकाष्ठा को आंदोलनों में अनायास व्यक्त करने वाला नृत्य।
नृत्य हमेशा, हर समय लोगों के जीवन और जीवन के तरीके से जुड़ा रहा है। इसलिए, प्रत्येक नृत्य चरित्र से मेल खाता है, उन लोगों की भावना जिनसे यह उत्पन्न हुआ है।
थियेटर
रंगमंच एक कला का रूप है जो एक रचनात्मक टीम द्वारा की गई नाटकीय कार्रवाई के माध्यम से कलात्मक रूप से दुनिया में महारत हासिल करता है।
रंगमंच का आधार नाट्यशास्त्र है। नाट्य कला की सिंथेटिक प्रकृति इसकी सामूहिक प्रकृति को निर्धारित करती है: प्रदर्शन नाटककार, निर्देशक, कलाकार, संगीतकार, कोरियोग्राफर, अभिनेता के रचनात्मक प्रयासों को जोड़ती है।
नाट्य प्रदर्शन शैलियों में विभाजित हैं:
- नाटक;
- त्रासदी;
- कॉमेडी;
- संगीतमय, आदि।
नाट्य कला की जड़ें प्राचीन काल में हैं। इसके सबसे महत्वपूर्ण तत्व पहले से ही आदिम संस्कारों में, टोटेमिक नृत्यों में, जानवरों की आदतों की नकल करने आदि में मौजूद थे।
फोटो कला।
फोटोग्राफी (जीआर। फोस (फोटो) प्रकाश + ग्राफो मैं लिखता हूं) एक कला है जो एक विमान पर, रेखाओं और छायाओं के माध्यम से, सबसे सही तरीके से और त्रुटि की संभावना के बिना, इसके द्वारा प्रेषित वस्तु के समोच्च और आकार को पुन: उत्पन्न करता है। .
फोटोग्राफी की एक विशिष्ट विशेषता इसमें रचनात्मक और तकनीकी प्रक्रियाओं की जैविक बातचीत है। कलात्मक विचार और फोटोग्राफिक विज्ञान और प्रौद्योगिकी की प्रगति के परिणामस्वरूप 19वीं-20वीं शताब्दी के मोड़ पर फोटो कला का विकास हुआ। इसका उद्भव ऐतिहासिक रूप से चित्रकला के विकास द्वारा तैयार किया गया था, जो दृश्यमान दुनिया की दर्पण सटीक छवि की ओर उन्मुख था और इस लक्ष्य को प्राप्त करने के लिए ज्यामितीय प्रकाशिकी (परिप्रेक्ष्य) और ऑप्टिकल उपकरणों (कैमरा अस्पष्ट) की खोजों का उपयोग किया।
फोटोग्राफिक कला की विशिष्टता इस तथ्य में निहित है कि यह एक दस्तावेजी मूल्य की सचित्र छवि देती है।
एक तस्वीर एक कलात्मक रूप से अभिव्यंजक छवि देती है और एक जमे हुए छवि में वास्तविकता के एक आवश्यक क्षण को निश्चित रूप से पकड़ लेती है।
फ़ोटोग्राफ़ी में जीवन के तथ्यों को बिना किसी अतिरिक्त प्रक्रिया के वास्तविकता के दायरे से कला के दायरे में स्थानांतरित कर दिया जाता है।
सिनेमा
सिनेमा पर्दे पर फिल्म पर कैद चलती-फिरती छवियों को पुन: प्रस्तुत करने की कला है, जो जीवित वास्तविकता की छाप पैदा करती है। सिनेमा 20वीं सदी का आविष्कार है। इसका स्वरूप प्रकाशिकी, इलेक्ट्रिकल और फोटोग्राफिक इंजीनियरिंग, रसायन विज्ञान आदि के क्षेत्र में विज्ञान और प्रौद्योगिकी की उपलब्धियों से निर्धारित होता है।
सिनेमा युग की गतिशीलता बताता है; अभिव्यक्ति के साधन के रूप में समय के साथ काम करते हुए, सिनेमा परिवर्तन को व्यक्त करने में सक्षम है विभिन्न घटनाएँउनके आंतरिक तर्क में।
सिनेमा एक सिंथेटिक कला है, इसमें साहित्य (लिपि, गीत), पेंटिंग (कार्टून, एक फीचर फिल्म में दृश्य), नाट्य कला (अभिनय), संगीत जैसे जैविक तत्व शामिल हैं, जो दृश्य छवि के पूरक के साधन के रूप में कार्य करता है।
सिनेमा को सशर्त रूप से वैज्ञानिक-वृत्तचित्र और कथा में विभाजित किया जा सकता है।
फिल्म शैलियों को भी परिभाषित किया गया है:
त्रासदी,
ज़बरदस्त,
कॉमेडी,
ऐतिहासिक, आदि।
निष्कर्ष
संस्कृति व्यक्तित्व के सुधार में, दुनिया की अपनी व्यक्तिगत तस्वीर के निर्माण में एक विशेष भूमिका निभाती है, क्योंकि यह मानवता के सभी भावनात्मक, नैतिक और मूल्यांकन अनुभव को संचित करती है।
युवा पीढ़ी के मूल्य अभिविन्यास के निर्माण में कलात्मक और सौंदर्य शिक्षा की समस्या समाजशास्त्रियों, दार्शनिकों, सांस्कृतिक सिद्धांतकारों और कला समीक्षकों के ध्यान का विषय बन गई है। यह प्रशिक्षण नियमावली विशाल जलाशय में एक छोटा सा जोड़ है शैक्षिक सामग्रीकला से संबंधित। लेखक आशा व्यक्त करता है कि यह छात्रों, विद्यार्थियों और उन सभी के लिए एक अच्छी मदद के रूप में काम करेगा जो कला के प्रति उदासीन नहीं हैं।
कला (अव्य। प्रयोग - अनुभव, परीक्षण) - वास्तविकता की आलंकारिक समझ; दुनिया में आंतरिक या बाहरी (निर्माता के संबंध में) की अभिव्यक्ति की प्रक्रिया या परिणाम कलात्मक छवि ; रचनात्मकता को इस तरह से निर्देशित किया जाता है कि यह न केवल स्वयं लेखक, बल्कि अन्य लोगों के हितों को भी दर्शाता है। कला (विज्ञान के साथ) ज्ञान के तरीकों में से एक है, दोनों प्राकृतिक विज्ञानों में और दुनिया की धारणा की धार्मिक तस्वीर में। कला की अवधारणा अत्यंत व्यापक है - यह किसी विशेष क्षेत्र में एक अत्यंत विकसित कौशल के रूप में प्रकट हो सकती है। लंबे समय तक, कला को एक प्रकार की सांस्कृतिक गतिविधि माना जाता था जो किसी व्यक्ति के सौंदर्य के प्रति प्रेम को संतुष्ट करती है। सामाजिक सौंदर्य मानदंडों और आकलन के विकास के साथ-साथ, सौंदर्यवादी रूप से अभिव्यंजक रूपों को बनाने के उद्देश्य से किसी भी गतिविधि को कला कहलाने का अधिकार प्राप्त हो गया है। पूरे समाज के पैमाने पर, कला वास्तविकता को जानने और प्रतिबिंबित करने का एक विशेष तरीका है, सामाजिक चेतना की कलात्मक गतिविधि के रूपों में से एक और मनुष्य और सभी मानव जाति की आध्यात्मिक संस्कृति का हिस्सा, रचनात्मक गतिविधि का एक विविध परिणाम सभी पीढ़ियाँ। विज्ञान में, कला को वास्तविक रचनात्मक कलात्मक गतिविधि और उसके परिणाम - कला का काम दोनों कहा जाता है। सबसे सामान्य अर्थ में, कला को शिल्प कौशल (स्लोवाक। यूमेनी) कहा जाता है, जिसके उत्पाद सौंदर्य आनंद देते हैं। एनसाइक्लोपीडिया ब्रिटानिका इसे इस प्रकार परिभाषित करती है: "सौंदर्य वस्तुओं, सेटिंग्स या गतिविधियों को बनाने के लिए कौशल या कल्पना का उपयोग जिसे दूसरों के साथ साझा किया जा सकता है।" इस प्रकार, कला की कसौटी अन्य लोगों से प्रतिक्रिया उत्पन्न करने की क्षमता है। TSB कला को सामाजिक चेतना के रूपों में से एक के रूप में परिभाषित करता है, जो मानव संस्कृति का सबसे महत्वपूर्ण घटक है। एक परिघटना के रूप में कला की परिभाषा और मूल्यांकन चल रही बहस का विषय है। रोमांटिक युग के दौरान, किसी भी प्रकार की शिल्प कौशल के रूप में कला की पारंपरिक समझ ने इसे "धर्म और विज्ञान के साथ-साथ मानव मन की एक विशेषता" के रूप में देखा। XX सदी में। सौंदर्यबोध को समझने में, तीन मुख्य दृष्टिकोण रहे हैं: यथार्थवादी, जिसके अनुसार किसी वस्तु के सौन्दर्य गुण अंतर्निहित रूप से निहित होते हैं और पर्यवेक्षक, वस्तुवादी पर निर्भर नहीं होते हैं, जो किसी वस्तु के सौंदर्य गुणों को भी आसन्न मानते हैं। , लेकिन कुछ हद तक पर्यवेक्षक पर निर्भर, और सापेक्षतावादी, जिसके अनुसार किसी वस्तु के सौंदर्य गुण केवल इस बात पर निर्भर करते हैं कि पर्यवेक्षक उसमें क्या देखता है, और अलग-अलग लोग एक ही वस्तु के विभिन्न सौंदर्य गुणों का अनुभव कर सकते हैं। बाद के दृष्टिकोण से, किसी वस्तु को उसके निर्माता के इरादों (या किसी इरादे की कमी) के अनुसार चित्रित किया जा सकता है, चाहे वह किसी भी कार्य के लिए हो। उदाहरण के लिए, एक प्याला जिसे रोजमर्रा की जिंदगी में एक कंटेनर के रूप में इस्तेमाल किया जा सकता है, कला का एक काम माना जा सकता है अगर यह केवल आभूषण के लिए बनाया गया हो, और एक छवि हस्तकला हो सकती है अगर इसे असेंबली लाइन पर बनाया जाता है।
अपने पहले और व्यापक अर्थ में, "कला" (कला) शब्द अपने लैटिन समकक्ष (ars) के करीब रहता है, जिसका अनुवाद "कौशल" या "शिल्प" के साथ-साथ इंडो-यूरोपियन रूट "रचना" के रूप में भी किया जा सकता है। " या "बनाना"। इस अर्थ में, एक निश्चित रचना को जानबूझकर संकलित करने की प्रक्रिया में बनाई गई हर चीज को कला कहा जा सकता है। ऐसे कुछ उदाहरण हैं जो इस शब्द के व्यापक अर्थ को स्पष्ट करते हैं: "कृत्रिम", "युद्ध की कला", "आर्टिलरी", "विरूपण साक्ष्य"। आमतौर पर इस्तेमाल किए जाने वाले कई अन्य शब्दों की व्युत्पत्ति समान है। कलाकार मा लिन, सांग युग की पेंटिंग का एक उदाहरण, लगभग 1250 24.8 एच 25.2 सेमी कला पुरातन ज्ञान
19वीं शताब्दी तक, ललित कलाओं ने एक कलाकार या कलाकार की अपनी प्रतिभा को व्यक्त करने की क्षमता, दर्शकों में सौंदर्य भावनाओं को जगाने और "उत्कृष्ट" चीजों के चिंतन में संलग्न होने की क्षमता को संदर्भित किया।
कला शब्द का प्रयोग विभिन्न अर्थों में किया जा सकता है: प्रतिभा का उपयोग करने की प्रक्रिया, एक प्रतिभाशाली मास्टर का काम, दर्शकों द्वारा कला के कार्यों की खपत, और कला का अध्ययन (कला इतिहास)। "ललित कला" विषयों (कला) का एक समूह है जो प्रतिभाशाली मास्टर्स (गतिविधि के रूप में कला) द्वारा बनाई गई कला (वस्तुओं) के कार्यों का उत्पादन करती है और एक प्रतिक्रिया, मनोदशा, संप्रेषित प्रतीकवाद और जनता को अन्य जानकारी (उपभोग के रूप में कला) पैदा करती है। कला का एक काम असीमित संख्या में अवधारणाओं और विचारों की जानबूझकर और प्रतिभाशाली व्याख्या है ताकि उन्हें दूसरों तक पहुँचाया जा सके। वे विशेष रूप से एक निर्दिष्ट उद्देश्य के लिए बनाए जा सकते हैं, या उन्हें छवियों और वस्तुओं द्वारा दर्शाया जा सकता है। कला संवेदनाओं के माध्यम से विचारों, भावनाओं, अभ्यावेदन और विचारों को उत्तेजित करती है। यह विचारों को व्यक्त करता है, कई अलग-अलग रूप लेता है और कई अलग-अलग उद्देश्यों को पूरा करता है। कला एक कौशल है जिसकी प्रशंसा की जा सकती है। कला जो अपने सामंजस्य के साथ सकारात्मक भावनाओं और मानसिक संतुष्टि को उद्घाटित करती है, सकारात्मक तरीके से बनाने के लिए विचारक, प्रेरणा, प्रोत्साहन और इच्छा से रचनात्मक प्रतिक्रिया भी पैदा कर सकती है। कलाकारों के पेशेवर संघ के सदस्य, कलाकार वालेरी रयबाकोव ने इस तरह कला के बारे में कहा: "कला नष्ट कर सकती है और चंगा कर सकती है मानवीय आत्मा, भ्रष्ट और शिक्षित। और केवल हल्की कला ही मानवता को बचा सकती है: यह आध्यात्मिक घावों को भरती है, भविष्य के लिए आशा देती है, दुनिया में प्यार और खुशी लाती है।"
